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Lo que los artistas tradicionales deben saber sobre el arte digital

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TLa historia del arte está llena de innumerables avances en técnica y tecnología. Desde las primeras pinturas creadas a partir de pigmentos de roca molidos hasta las técnicas digitales modernas, la innovación es el nombre del juego. Si usted es un artista tradicional que quiere hacer la transición a formas más digitales, o simplemente quiere saltar al extremo más profundo de los gráficos, ha venido al lugar correcto. En este artículo, analizamos de cerca los desarrollos en el arte, los beneficios y desventajas de los medios físicos y digitales, y cómo comenzar su propio viaje gráfico único y creativo.

La creciente relevancia de las formas de arte digital

En la mayoría de los aspectos de la vida actual, la tecnología se está volviendo cada vez más esencial en la forma en que hacemos las cosas. Desde las compras hasta la creación de arte, nos enfrentamos a la presión de adoptar, adaptar y cambiar la forma en que hacemos las cosas. ¿Es el arte digital un arte real? Como ocurre con todas estas cosas, existe un cierto nivel de resistencia por parte de los amantes de las prácticas artísticas tradicionales, pero el arte digital tiene mucho que ofrecernos a todos.

Pintura tradicional o digital

Arte digital vs arte tradicional

Aunque pueden parecer muy diferentes en términos de cómo se crean y la apariencia final de la obra de arte, las técnicas tradicionales y digitales tienen muchas superposiciones. La pintura tradicional requiere el uso de medios y herramientas físicos, mientras que los artistas digitales usan la tecnología para replicar estos efectos y crear otros nuevos y emocionantes. 

Sería un error creer que las obras de arte digitales requieren menos habilidad o tiempo que las formas de arte más tradicionales, la mayor diferencia radica en la forma en que necesita pensar sobre su trabajo.

Arte tradicional

El arte tradicional tiene muchas ventajas y desventajas sobre los medios digitales. Muchos creen que una conexión práctica puede impartir más de su alma a su trabajo, creando una experiencia más táctil e interesante para el espectador. La creación de arte físico mejora la coordinación ojo-mano y desarrolla las capacidades motoras. Desafortunadamente, el arte tradicional a menudo puede ser más caro que los medios digitales porque necesita reemplazar constantemente sus suministros.

Pintura tradicional

El arte tradicional también se considera más exclusivo que los medios digitales. Cada obra artística es completamente única, lo que lleva a muchos a creer que las obras de arte tradicionales tienen más valor, monetario y espiritual. Las obras de arte tradicionales involucran muchos medios, como la escultura, la pintura, la costura, la impresión y mucho más. Como tal, tiene la capacidad de crear y experimentar con medios artísticos tradicionales para crear formas que son únicas.

Los medios artísticos tradicionales también fomentan la resolución de problemas y la versatilidad en los artistas, quizás más que las creaciones digitales. Aunque es versátil, los errores que puede cometer con formas tradicionales como la pintura y la escultura no son fáciles de corregir o eliminar. Si bien esto puede parecer una desventaja, nos obliga a adaptarnos, lo que a menudo resulta en descubrimientos emocionantes. 

Estas imperfecciones tienen un valor auténtico con el que muchos creen que las obras de arte digitales no pueden competir.

PROS

    • La imperfección crea un valor auténtico
  • Mayor coordinación mano-ojo
  • Desarrolla habilidades motoras.
  • Los materiales son más versátiles
  • Fomenta la resolución de problemas
  • Las piezas son únicas

 

 

 

 

CONTRAS

  • Los errores son difíciles de eliminar
  • Difícil de reproducir
  • Los materiales necesitan reemplazo
  • Toma mas tiempo

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Arte digital

Al igual que las formas de arte tradicionales, el arte digital tiene sus ventajas y desventajas. Muchas de las ventajas de las formas de arte digital se relacionan con el acceso, la conveniencia y la experimentación. Los medios de arte digital le permiten combinar los efectos de muchos medios físicos con un solo dispositivo. Si bien los dispositivos de dibujo pueden no ser particularmente asequibles al principio, se pagan solos con el tiempo.

Las tecnologías digitales también son más convenientes y portátiles. Puede llevar todo su estuche de herramientas de arte con usted casi a cualquier lugar, y siempre estará listo para crear. También puede replicar y compartir sus creaciones con facilidad. Sin embargo, las tecnologías digitales son desconocidas para muchos artistas, por lo que el proceso de aprendizaje puede llevar algún tiempo.

Cómo hacer arte digital

El arte digital también es más indulgente que los medios artísticos tradicionales. Cualquier error se puede deshacer fácilmente con solo tocar un botón. Puede borrar y volver a dibujar formas hasta perfeccionarlas. Dibujar con un medio digital te permite mucha más exploración y experimentación.

Puede probar diferentes técnicas y estilos, y si no funcionan, no ha desperdiciado materiales y simplemente puede volver a intentarlo. Hay posibilidades ilimitadas con el arte digital, lo cual es asombroso pero también puede conducir a la parálisis creativa. Con tantas posibilidades, puede resultar abrumador y difícil saber por dónde empezar. 

Algunos puristas también creen que esta facilidad de uso puede hacer que el arte digital sea demasiado fácil, pero este no es el caso, ya que las herramientas requieren muchas habilidades y técnicas únicas y, a veces, complicadas.

PROS

  • Conveniente para el transporte
  • Fácil de replicar
  • Fácil de compartir
  • Potencial y posibilidades infinitas
  • Eficiente
  • Indulgente

 

 

 

 

CONTRAS

  • Puede conducir a una parálisis creativa.
  • Visto como demasiado fácil
  • Sin copia auténtica original
  • Requiere el aprendizaje de nuevas habilidades

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cosas que necesita para comenzar con el arte digital

Si bien el arte tradicional requiere muchas herramientas y materiales diferentes, según el medio que elija, solo necesita dos cosas para comenzar a crear obras de arte digitales. Por lo general, necesitará una tableta digital y un software de dibujo. Hemos seleccionado una lista de nuestras principales recomendaciones para cada uno de estos, para ayudarlo a comenzar. Solo una nota, que estos artículos pueden ser costosos, pero como hemos dicho antes, sin embargo, esta inversión inicial puede ahorrarle dinero a largo plazo.

Copia digital de arte tradicional

Aspectos a considerar sobre el software de dibujo

Cuando se trata de elegir un software o aplicación de dibujo, hay muchas opciones disponibles. Se pueden adaptar diferentes programas de software para estilos de dibujo particulares, incluido el modelado 3D, el dibujo a mano, la pintura y la ilustración gráfica. Algunas de las opciones más básicas son gratuitas, pero si realmente desea invertir en un buen software, le sugerimos que gaste algo de dinero.

¿Es el arte digital arte real?
© CELSYS,Inc. / Miquel Montlló / Olga Andriyenko

Al investigar, siempre debe buscar la estabilidad, la sensación de dibujo, una variedad de herramientas de pintura y cualquier característica única que pueda ser útil para su estilo de dibujo. También desea asegurarse de que el paquete elegido sea adecuado para su tableta de dibujo. Algunas opciones de software solo son adecuadas para su uso con sistemas operativos específicos, como Windows.

Nuestra mejor recomendación de software de dibujo: Clip Studio Paint

De toda la variedad de software y aplicaciones disponibles, le sugerimos de todo corazón que invierta en Clip Studio Paint. Este software de dibujo es versátil y adecuado para su uso en todas las plataformas principales (Windows / macOS / iPad / iPhone / Android / Chromebook). ¡Con miles de pinceles personalizables, tienes tantas opciones que puede ser vertiginoso! También puede personalizar cada aspecto de cada pincel, por lo que tiene un suministro interminable de herramientas únicas para crear hermosas obras de arte.

Algunas de las características especiales incluidas en Clip Studio Paint son pinceles de patrones y otros materiales prefabricados. Estos pueden acelerar su proceso de dibujo y brindarle infinitas opciones para hacer marcas. También encontrará una impresionante colección de herramientas de forma y reglas, incluidas herramientas vectoriales que le permiten editar líneas ya dibujadas más adelante.

Clip Studio Paint incluye un potente motor de pincel que funciona con su dispositivo de dibujo para captar cada matiz de su lápiz. El pincel se siente natural en tus manos y este software de dibujo todo en uno es perfecto para artistas de cualquier estilo y nivel. Si es un artista de cómics o animación, se inspirará en las funciones de animación dedicadas que Clip Studio Paint tiene para ofrecer.

Compra CLIP STUDIO PAINT aquí. 

PROS

  • Totalmente personalizable
  • Incluye biblioteca de activos con miles de pinceles y materiales.
  • Apto para todos los dispositivos de dibujo
  • Cepillos de sensación natural
  • Incluye funciones de animación dedicadas

 

 

 

 

CONTRAS

    • Se necesita algo de tiempo para aprender a utilizar todas las funciones.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Algunos elementos básicos del dibujo digital para pensar

El salto de las formas de arte tradicionales al dibujo digital puede resultar intimidante. Hay muchas cosas a considerar al aprender a hacer arte digital. En esta sección del artículo, hemos cubierto algo de lo que los artistas tradicionales deben saber sobre el arte digital, incluida la configuración de lienzos, el uso de capas, borradores y pinceles, y técnicas de combinación.

Arte digital vs tradicional

Creación de documentos de lienzo

Crear un lienzo digital es el primer paso del proceso. La forma en que cree su documento de lienzo dependerá del software que esté utilizando, pero las dimensiones, los modos de color y la resolución siempre serán consideraciones. Establecer el ancho y la altura de su lienzo dictará el tamaño de su dibujo final, y también se vincula a la resolución final de su pieza. 

Si quieres imprimir una pieza a gran escala, es fundamental que establezcas el tamaño de tu lienzo en estas dimensiones, de lo contrario tu resolución será muy baja.

Para fines de impresión, debe ceñirse a una resolución de al menos 300 píxeles. Sin embargo, si no desea imprimir su trabajo, puede mantener la resolución más baja en alrededor de 72 píxeles. Una resolución más pequeña hará que sus archivos finales sean más pequeños y permitirá que su computadora funcione de manera más efectiva. Los artistas tradicionales siempre deben considerar su paleta de colores antes de comenzar, y lo mismo ocurre con el arte digital. Hay dos modos de color digital, CMYK y RGB. Siempre es una buena idea comenzar su dibujo digital en el modo RGB, y luego, si desea imprimir su trabajo en una etapa posterior, puede realizar la transición a CMYK.

Explorando pinceles

Al igual que con los medios artísticos más tradicionales, hay tantos pinceles y herramientas disponibles para los artistas digitales que pueden ayudar a elevar sus piezas finales. Lo mejor del arte digital es que tienes un suministro casi infinito de pinceles a tu disposición. Muchos software o aplicaciones, como Clip Studio Paint, tienen pinceles totalmente personalizables con una sensación de pincel natural que puede disfrutar creando su visión tal como la desea.

Versión digital de pintura tradicional

Puede ajustar fácilmente el tamaño y la forma de la punta del pincel para crear líneas de diferentes formas y puntos fuertes. Dependiendo del medio que desee replicar, puede obtener pinceles que creen la impresión de acuarela o carboncillo.

Usando capas

De todas las diferencias entre el arte digital y el arte tradicional, el uso de capas es definitivamente una de las más útiles. Las capas le permiten separar diferentes elementos de su dibujo, ya sea un esquema aproximado o el producto final. Al usar capas, puede editar cuidadosamente partes individuales de su obra de arte sin interrumpir todo.

Lo más importante que queremos transmitirle sobre el uso de capas es que el orden en el que se enumeran refleja el orden en el que se mostrarán en su lienzo.

Las capas más altas se asentarán por encima de las capas inferiores. Otra gran ventaja de las capas en el arte digital es que normalmente puedes ajustar el orden de las capas simplemente arrastrándolas y soltándolas.

Mezcla de capas y colores

Si desea crear un efecto tridimensional sin fisuras en su dibujo digital, deberá convertirse en un maestro de la mezcla. Cada software de dibujo tendrá su propio pincel que puede utilizar para difuminar, como un pincel de borde suave o una herramienta de difuminado. A medida que aprende cómo hacer la transición entre el arte digital y el arte tradicional, deberá experimentar un poco para ver qué técnica de combinación logra mejor el aspecto final que desea.

Teclas de acceso rápido para arte digital vs arte tradicional© CELSYS, Inc. / Jade Mosch

Aspectos a tener en cuenta sobre las tabletas digitales

Hay varias características esenciales que debe tener en cuenta en una buena tableta de dibujo. Estos incluyen sensibilidad a la presión, tamaño, teclas de acceso rápido y conectividad. Echemos un vistazo breve a lo que debe estar atento en cada una de estas categorías.

Sensibilidad a la presión

La sensibilidad de su pantalla a la presión del lápiz óptico determinará la calidad de sus líneas y sombreado. Así como ajusta la presión de su lápiz o pincel sobre el papel para ajustar el tono y la forma de sus trazos, hará lo mismo con su tableta gráfica. Cuanto más sensible sea la pantalla de su tableta, más exactas serán sus líneas. La sensibilidad a la presión más alta que encontrará es de alrededor de 8.192 niveles, pero el nivel estándar es de alrededor de 4.096.

Tamaño de pantalla

El tamaño de su tableta realmente se reduce a sus preferencias personales. Si prefiere trabajar en un lienzo más grande con más espacio para crear grandes trazos de barrido, una pantalla más grande puede ser su mejor opción. El tamaño que elija dependerá en última instancia del precio que esté dispuesto a pagar, ya que las pantallas más grandes tienden a ser las más caras.

Arte tradicional© CELSYS Inc. / Tera Terada

Conectividad

La capacidad de su tableta para conectarse a otras herramientas tecnológicas es una característica esencial a tener en cuenta. Algunas tabletas tienen pantallas de visualización incorporadas, mientras que otras necesitarán conectarse a un monitor de computadora. Si tiene un espacio de trabajo establecido, probablemente estará bien con una tableta con cable. Si prefiere moverse, entonces una tableta inalámbrica con conectividad Bluetooth puede ser más su estilo. Como era de esperar, las tabletas inalámbricas tienen un precio más alto.

Cómo hacer pintura tradicional en tabletas digitales

Nuestra recomendación principal de tableta digital: Samsung Galaxy Tablet S7

Cuando se trata de asequibilidad y portabilidad, simplemente no podemos recomendar una mejor tableta de dibujo para principiantes. La tableta Samsung Galaxy S7 es delgada y liviana con un cuerpo de metal aerodinámico. Está listo para dibujar instantáneamente con el lápiz S, que tiene un agarre natural cómodo, una sensibilidad a la presión impresionante y baja latencia. Con una gran pantalla de 11 pulgadas con una resolución fantástica, puede crear obras de arte detalladas y a gran escala en alta definición.

La tableta Samsung Galaxy S7 también es compatible con muchas de las opciones de software de dibujo líderes, incluido Clip Studio Paint, y mientras dibuja puede aprovechar la acción aérea que ofrece el S pen. De hecho, el S7 viene con Clip Studio Paint precargado, lo que le permite usar el software durante 6 meses sin pagar. Para un principiante en el mundo del arte digital, la tableta Samsung Galaxy S7 tiene todo lo que necesita. A diferencia de muchas tabletas de dibujo profesionales, la tableta no requiere conectividad a una PC, lo que le permite dibujar dondequiera que lo encuentre la inspiración.

Puedes comprar el Samsung Galaxy Tablet S7 aquí. 

PROS

  • Pantalla de alta definición
  • Viene con un bolígrafo de dibujo altamente sensible.
  • Delgado, ligero y portátil
  • Compatible con las principales marcas de software de dibujo
  • Accesible
  • Genial para principiantes

 

 

 

 

CONTRAS

    • No es una tableta de dibujo dedicada

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Algunas otras recomendaciones de dibujo digital

La tableta Samsung Galaxy S7 es solo una de las muchas opciones asequibles y fáciles de usar disponibles para los artistas digitales principiantes. A continuación encontrará una lista de algunas de estas otras opciones con los precios incluidos.

A medida que el mundo comienza a moverse hacia la tecnología en todos los aspectos de la vida, muchos artistas tradicionales sienten la necesidad de explorar formas de arte digital. Entonces, la pregunta es, ¿es el arte digital un arte real? Nuestra respuesta es definitivamente sí. El arte digital es simplemente otro medio de elección, como el collage o la pintura al óleo. Con suerte, se siente capacitado para aprender a hacer arte digital, y hemos respondido a la pregunta de qué deben saber los artistas tradicionales sobre el arte digital.

Preguntas frecuentes

¿Es el arte digital arte real?

Muchos puristas pueden no estar de acuerdo, pero sí, creemos que el arte digital es realmente arte real. De hecho, el dibujo digital puede considerarse simplemente otro medio, como el dibujo al carboncillo o la pintura acrílica.

¿Qué deben saber los artistas tradicionales sobre el arte digital?

Como simplemente otro medio artístico, existen algunas técnicas diferentes que los artistas tradicionales deberán dominar, incluido el uso de capas, cómo manipular diferentes pinceles y cómo mezclar suavemente.

¿Es el dibujo digital más difícil que el arte tradicional?

Muchos dirían realmente lo contrario. Si bien el dibujo digital ciertamente requiere algo de tiempo para dominarlo, puede ser mucho más fácil crear hermosos dibujos sin costuras. La capacidad de editar o deshacer rápidamente cualquier error puede hacer que su proceso de arte sea mucho más fácil.

 

Los cuatro jinetes del Apocalipsis de Durero – Comentario de obra

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Tl Apocalipsis ha sido una narrativa común en la historia del arte durante muchos siglos, especialmente durante el período marcado como el Renacimiento, alrededor del siglo XVI. Fue un tema generalizado para las pinturas religiosas y otras formas de arte como los grabados en madera, que es lo que veremos en este artículo, específicamente el grabado en madera de Los cuatro jinetes del Apocalipsis del artista del Renacimiento del Norte, Alberto Durero.  

Resumen del artista: ¿Quién fue Alberto Durero?

Alberto Durero fue un destacado artista del Renacimiento del Norte. Nació en Nuremberg, Alemania, el 21 de mayo de 1471. Fue pintor, grabador, grabador y editor de sus propios libros, que aprendió de la práctica de orfebrería de su padre y del exitoso negocio editorial. En 1486, Durero comenzó a ser aprendiz con Michael Wolgemut. Viajó extensamente por Europa y pasó un tiempo en Italia, donde aprendió nuevas técnicas artísticas, que influyeron en su trabajo en Alemania.

Mientras viajaba por Italia, conoció a los maestros del Renacimiento italiano como Leonardo da Vinci, Rafael y otros. Dejó un legado que inspiró a muchos artistas, especialmente en el campo del arte del grabado.

Alberto DureroAutorretrato (1498) de Alberto Durero; Alberto Durero , dominio público, a través de Wikimedia Commons

Los cuatro jinetes del Apocalipsis de Alberto Durero en contexto

Los cuatro jinetes del Apocalipsis, de Alberto Durero, formaba parte de la tercera serie de grabados en madera que ilustran las profecías bíblicas sobre la llegada del Apocalipsis. Ha sido uno de sus famosos grabados en madera. El propio Durero fue un artista sobresaliente y hábil del período del Renacimiento alemán o del norte , que también produjo pinturas y dibujos con gran atención al detalle.

Cuadro Cuatro jinetes del ApocalipsisLos cuatro jinetes del Apocalipsis (1498) de Alberto Durero; Alberto Durero , CC0, a través de Wikimedia Commons

En el artículo a continuación, discutimos el grabado en madera de Durero antes mencionado, primero proporcionaremos un breve análisis contextual, observando lo que podría haberlo motivado a producir estas ilustraciones y exploraremos preguntas como, ¿ pintó Alberto Durero Los cuatro jinetes de el Apocalipsis ? ¿Qué son los cuatro jinetes? ¿Qué representan los Cuatro Jinetes? ¿Por qué Alberto Durero hizo el grabado en madera de los Cuatro Jinetes ? ¿Y dónde se encuentran Los cuatro jinetes del Apocalipsis de Alberto Durero?

Luego proporcionaremos un análisis formal al observar más de cerca el tema y cómo Durero retrató esta escena apocalíptica, incluida la técnica de la xilografía y la gran habilidad del artista para elaborarla.

Artista Alberto Durero
Fecha pintada 1498
Medio Xilografía
Género Arte religioso
Periodo / Movimiento Renacimiento del Norte
Dimensiones 38,8 x 29,1 centímetros
Series / Versiones Parte de la serie de xilografías, El Apocalipsis
¿Dónde está alojado? Museo Metropolitano de Arte (MET), Nueva York, Estados Unidos
Lo que vale No disponible

Análisis contextual: una breve descripción sociohistórica

Durante el siglo XV , Alberto Durero produjo lo que supuestamente fue su primer libro ilustrado, titulado Apocalipsis . Lo publicó en 1498, pero aparentemente comenzó a trabajar en él cuando estuvo en Italia de 1494 a 1495, que fue también su primera visita a Italia.

Es importante señalar que dentro de la historia general del Renacimiento , la visita de Durero a Italia fue un hito importante en su carrera artística, así como para la evolución del Renacimiento del Norte. Aprendió muchísimo de los artistas del Renacimiento italiano , incluidas las técnicas características como el sfumato y el claroscuro ; visitó Italia nuevamente desde 1505 hasta 1507.

Libro de Alberto DureroColofón del Apocalipsis de Alberto Durero , publicado en Nuremberg en 1498; Alberto Durero , dominio público, a través de Wikimedia Commons 

Volviendo a la publicación de Durero, constaba de 15 ilustraciones del Libro de las Revelaciones de la Biblia , y todas fueron grabadas en madera. También había un texto adjunto, que se publicó en alemán y latín. El diseño del libro Apocalipsis consistió en texto en las páginas de la izquierda, en latín, esto se conoce como verso , y las ilustraciones estaban en las páginas de la derecha, de manera similar, en latín, esto se conoce como recto .

“Medio tiempo después del tiempo”: ¿El fin del mundo?

Cuando miramos la pregunta, «¿Qué representan los Cuatro Jinetes?», Debemos considerar lo que la gente durante el siglo XV creía sobre el mundo. Esta era todavía la época medieval y el cristianismo era la religión dominante. En Europa, muchos creían que el mundo terminaría en 1500 y comenzaría el apocalipsis.

El término «Medio tiempo después del tiempo» proviene del «Libro del Apocalipsis» de la Biblia, que también incitó muchos temores sobre el fin del mundo.

Hubo varias otras fuerzas en juego que influyeron en estos temores, a saber, el predicador y profeta italiano Girolamo Savonarola, que predicó sobre los ricos explotando a los pobres. Su profecía sobre la invasión de Italia por el rey Carlos III de Francia también se hizo realidad, lo que llevó a muchos a creer en sus clamores. Entre los que siguieron a Savonarola se encontraba el artista renacentista Alessandro Botticelli. Según los informes, el artista quemó algunas de sus pinturas en lo que se conoció como la hoguera de las vanidades en 1497.

Cuatro jinetes del Apocalipsis pintando en contextoCaricatura política de JM Staniforth. Comentario sobre el ataque al ritualismo en el Reino Unido en iglesias protestantes, comparándolo con la hoguera española de las vanidades. Los sacerdotes queman artefactos y otras ceremonias relacionadas con los rituales bajo la mirada de William MacLagan, arzobispo de York, 1899; Joseph Morewood Staniforth , dominio público, a través de Wikimedia Commons

Esto se debió a las creencias del predicador sobre cómo el arte era un lujo para los ricos y tenía temas mitológicos y debería ser eliminado. Sin embargo, esto se ha debatido ya que se creía que Botticelli pintó algunas obras después de la muerte del profeta en 1498.

Con todas estas fervientes profecías religiosas y gritos en Italia, no sorprende por qué Alberto Durero hizo Los cuatro jinetes del Apocalipsis . Habría sido influenciado por el fervor religioso de la época, especialmente teniendo en cuenta que visitó Italia y habría adquirido algún nivel de conocimiento de primera mano.

¿Qué son los cuatro jinetes?

Antes de mirar el grabado en madera de Durero, Los cuatro jinetes del Apocalipsis , proporcionemos una historia de fondo y exploremos la pregunta en torno a qué representan los Cuatro jinetes. Como se mencionó anteriormente, los Cuatro Jinetes se originan en el Libro del Apocalipsis de la Biblia , específicamente en la profecía acerca de los Siete Sellos.

También conocido como los Siete Sellos de Dios, se introduce en el Capítulo Cinco de Apocalipsis. Los Siete Sellos es un libro o rollo que, cuando se abre, dará comienzo al Apocalipsis y, por lo tanto, a la Segunda Venida de Cristo.

Los primeros cuatro sellos son los Cuatro Jinetes. Según la Biblia, de la Nueva Versión King James, en el Capítulo Seis, el autor, Juan de Patmos, describe cada sello. Cuando el Cordero abrió los sellos, fue llamado a “Ven y verás” por cada una de las criaturas que salieron.

Cuando se abrió el Primer Sello, explicó: “Y miré, y vi un caballo blanco. El que estaba sentado en él tenía un arco, y se le dio una corona, y salió conquistando y para conquistar ”. El primer caballo fue denominado «El Conquistador».

El Segundo Sello desató al segundo caballo al que se refiere como “Guerra” y el autor describió: “Otro caballo, de un rojo fuego, salió. Y al que estaba sentado en él le fue concedido quitar la paz de la tierra, y que la gente se matara unos a otros; y le fue dada una gran espada ”.

El Tercer Sello desató “Hambruna” y el autor describió: “Entonces miré, y he aquí, un caballo negro, y el que estaba sentado en él tenía un par de escamas en la mano. Y oí una voz en medio de los cuatro seres vivientes que decía: ‘Un litro de trigo por un denario, y tres cuartos de cebada por un denario; y no dañes el aceite y el vino ‘”.

El Cuarto Sello desató la “Muerte” y el autor describió: “Así que miré y vi un caballo pálido. Y el nombre del que estaba sentado en él era Muerte, y el Hades lo siguió. Y les fue dado poder sobre la cuarta parte de la tierra, para matar con espada, con hambre, con muerte y con las bestias de la tierra ”.

Encontraremos que los símbolos de los Cuatro Jinetes son sus armas y esta parte del Libro de las Revelaciones ha sido una de las imágenes más difundidas.

Hay numerosos ejemplos de pintura de Los cuatro jinetes del Apocalipsis , a saber, la pintura del artista ruso Viktor Vasnetsov, titulada Cuatro jinetes del Apocalipsis (1887). Como vemos en la xilografía de Durero, es en blanco y negro, y en las pinturas podemos ver a los Cuatro Jinetes en sus respectivos colores. En la versión de pintura Cuatro jinetes del Apocalipsis de Vasnetsov , él representa a los Cuatro jinetes en orden sucesivo y en sus respectivos colores con sus armas. Vemos el Cordero de Dios blanco en el cielo directamente sobre la escena apocalíptica.

¿Qué son los cuatro jinetes?Cuatro jinetes del Apocalipsis (1887) de Viktor Vasnetsov; Viktor Mikhailovich Vasnetsov , dominio público, a través de Wikimedia Commons

Análisis formal: una breve descripción de la composición

Ahora entendemos mejor quiénes son los cuatro protagonistas principales del grabado en madera de Durero, a saber, Conquista, Guerra, Hambruna y Muerte, respectivamente. Esto incluye sus características contribuyentes, o los símbolos de los Cuatro Jinetes, que son sus armas. A continuación analizamos la composición y la técnica de Durero con más detalle.

Tema en cuestion

Si partimos de la parte superior de la composición, hay un ángel con túnica con grandes alas sobre los jinetes que parece estar vigilando la escena o los jinetes. Además, hay gruesas manchas de nubes en el cielo y aparentemente detrás de los jinetes, casi como humo detrás de ellos mientras galopan hacia la escena.

En la esquina superior izquierda, hay líneas radiantes nítidas que denotan rayos de luz: los cielos están abiertos y el Apocalipsis está ambientado, la escena es divinamente dramática arriba y caótica abajo.

Detalle de la pintura de los cuatro jinetes del ApocalipsisUn detalle de Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1498) de Alberto Durero; Alberto Durero , CC0, a través de Wikimedia Commons

A primera vista, es posible que no sepamos por dónde empezar en medio del caos, sin embargo, en Los cuatro jinetes del Apocalipsis, Durero describe a cada jinete en el orden bíblico. Comenzando desde el extremo izquierdo (nuestra derecha) en el fondo vemos el Primer Jinete, “Conquista”; él está en su caballo sosteniendo su arco, que tiene una flecha en él, y listo para disparar. Lleva lo que parece una corona con una borla en la punta de su cabeza.

Los jinetes casi se superponen entre sí. Acercándose al primer plano, al lado del Primer Jinete, está el Segundo Jinete, «Guerra», sosteniendo su espada larga en su mano derecha listo para atacar.

¿Qué representan los cuatro jinetes?Conquista, guerra y hambre en Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1498) de Alberto Durero; Alberto Durero , CC0, a través de Wikimedia Commons

Desde una perspectiva visual y disposición compositiva del tema, la espada está directamente debajo de la mano izquierda extendida del ángel arriba, lo que hace que parezca que el ángel podría tocar la espada en cualquier momento, sin embargo, esto probablemente no fue intencionado por el ángel. artista y simplemente nos da un punto de referencia sobre dónde están situadas las figuras.

Símbolos de los cuatro jinetesUn detalle de Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1498) de Alberto Durero; Alberto Durero , CC0, a través de Wikimedia Commons

El tercer jinete, «Hambruna», aparece más cerca de nosotros mientras pasa al primer plano. Sostiene una balanza o balanza en su mano derecha, que está estirada detrás de él como si se estuviera preparando para balancear sus balanzas hacia afuera. Como parte de los símbolos de los Cuatro Jinetes, las escamas no son un arma como las demás, sin embargo, sus efectos son mortales.

En primer plano está el cuarto jinete, «Muerte». Lo vemos con más detalle que los demás pilotos. Sostiene un tridente con ambas manos, junto al lado derecho (nuestro izquierdo) de su cuerpo. Aparece como un anciano demacrado con una larga barba. Del mismo modo, su caballo también está demacrado, lo que se muestra por su caja torácica que sobresale.

Cuadro Muerte en los cuatro jinetes del ApocalipsisMuerte en Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1498) de Alberto Durero; Alberto Durero , CC0, a través de Wikimedia Commons

Aunque los otros tres jinetes visten ropa y tocados, el cuarto jinete se presenta aparentemente desnudo, solo con una tela andrajosa a su alrededor. Lo vemos alrededor de la parte superior de su torso, el resto parece fluir en el viento detrás de él. Es importante señalar que la Biblia no describió a la Muerte con un arma, pero aquí Durero le da un tridente, posiblemente por un sentido de continuación debido a que los otros tres tienen armas.

Sin embargo, podríamos asumir que la Muerte es el arma en sí, ya que se le dio la tarea de matar junto a sus tres compatriotas apocalípticos. 

Directamente debajo de la Muerte, en la esquina inferior izquierda de la composición, hay una criatura parecida a un dragón con grandes colmillos. Está a punto de morder lo que parece ser la figura de un obispo que yace de cabeza en su gran boca, su cuerpo es pisoteado por los cascos del caballo de la Muerte.  

Detalle de la pintura de los cuatro jinetes del ApocalipsisUn detalle de Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1498) de Alberto Durero; Alberto Durero , CC0, a través de Wikimedia Commons

Los Cuatro Jinetes están entrando en escena con gran prisa, como impulsados ​​por una fuerza propulsora que no los detendrá por nadie. Sus caballos pisotean varias figuras que yacen debajo de ellos en el suelo, lo que garantiza una carnicería caótica. Vemos una figura todavía de pie, su mano izquierda está levantada en un reflejo de protegerse mientras intenta escapar, pero esto parece una tarea imposible y pronto estará entre esos cuerpos que yacen en el suelo.  

Cerca de la pintura de los cuatro jinetes del ApocalipsisUn primer plano de Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1498) de Alberto Durero; Alberto Durero , CC0, a través de Wikimedia Commons

Con gran habilidad: la técnica del grabado en madera de Alberto Durero 

Alberto Durero no fue solo un pintor que logró crear obras de arte con gran atención al detalle, sino que su ojo agudo era experto en crear diseños para grabados en madera. La técnica del grabado en madera ha existido desde, según se informa, el siglo XV, que fue durante el período del Renacimiento temprano .

Este fue también un momento en el que el grabado se generalizó, dando más importancia a los grabados en madera.

La xilografía consistió en utilizar un trozo de madera, o bloque de madera, que luego fue tallado según la imagen respectiva. La imagen tallada se habría elevado después de que la madera circundante fuera tallada, o el «espacio negativo», por así decirlo. Sin duda, esto habría requerido habilidad y destreza para crear una imagen perfecta.

Una vez tallado el grabado en madera, las imágenes en relieve se habrían entintado y presionado sobre papel, que luego se habría utilizado en el proceso de grabado. Este es un ejemplo aproximado del proceso de grabado y técnicas de xilografía.

Con esto, Durero supuestamente utilizó lo que se creía que era madera de peral. Hay varias fuentes que exploran la cuestión de si Durero talló personalmente el grabado en madera o si lo hizo un artesano.

Cualquiera que sea el caso, se recordó que Durero aparentemente cambió el arte de los grabados en madera debido a sus diseños detallados que consisten en líneas finas y rangos de textura. Los grabados en madera antes de esto consistían en líneas y cortes más voluminosos.

Color y sombreado

Durero crea distinción aquí usando los símbolos de los Cuatro Jinetes, pero ¿qué significa esto? Simplemente, porque los Cuatro Jinetes se describen en la Biblia en términos de los colores de sus caballos, por ejemplo, «blanco», «rojo fuego», «negro» y «pálido», y el grabado en madera es en blanco y negro, Durero creó el bloque de madera para que pudiéramos distinguir los cuatro caballos respectivamente.

Los símbolos de los Cuatro Jinetes nos ilustran quiénes son los jinetes en la composición. Además, Durero también los describió en orden bíblico. Sin sus colores, podemos identificar fácilmente sus personajes como se describe en la Biblia.

Además, se nos muestra la gran habilidad de Durero en las áreas más pequeñas de sombras a lo largo de la composición. Por ejemplo, en áreas sombreadas como los cuellos de los jinetes, dentro de sus mangas abiertas y onduladas, o la tonalidad de las escamas del jinete, lo que sugiere que están hechas de metal.

Línea

En Los cuatro jinetes del Apocalipsis, Durero describe líneas detalladas y cambios tonales a lo largo de la composición. Si miramos al fondo, hay numerosas líneas finas que crean un área oscurecida, lo que también proporciona una sensación de espacio y profundidad. Hay nubes más claras representadas en este espacio más oscuro, lo que se suma al ambiente cuando los Cuatro Jinetes ingresan a la escena desde la izquierda.

Las líneas del fondo crean el efecto de movimiento y casi sentimos como si los ciclistas se precipitaran hacia la escena resueltos en su propósito delante de ellos.

Todos estos pequeños detalles dan a la composición una calidad tridimensional sin utilizar ningún tono o tono de colores en absoluto. Lo que hace que el grabado en madera sea tan único es que podemos hacer zoom en áreas y cada línea parece perfectamente ejecutada.

Técnicas de pintura de los cuatro jinetes del ApocalipsisEl uso de la línea en Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1498) de Alberto Durero; Alberto Durero , CC0, a través de Wikimedia Commons

Grabado para siempre

Alberto Durero influyó en muchos artistas que vendrían durante los siglos, por ejemplo, el Renacimiento Rafael y el Renacimiento y el artista manierista que todos conocemos como Tiziano. Estos dos artistas fueron influenciados por las habilidades de grabado de Durero, pero hubo muchos otros, incluido el conocido Hans Baldung Grien, quien fue uno de los alumnos de Durero.

Algunas de las otras obras de arte famosas de Durero incluyen su acuarela y gouache Young Hare (1502), que muestra su característico ojo agudo para los detalles. Su famoso dibujo a lápiz y tinta, Praying Hands (1508), y varias otras pinturas, por ejemplo, su famoso autorretrato al óleo Autorretrato a los veintiocho (1500), que se ha comparado con el parecido de Jesucristo.

Según los informes, el epitafio de Alberto Durero dice: «Lo que sea que haya sido mortal de Alberto Durero se encuentra debajo de este montículo». Su arte, ahora inmortalizado, siempre será recordado y grabado para siempre en el mundo del arte. Durero también será siempre recordado como un artista de muchos talentos y habilidades, especialmente uno que creó nuevos alcances y estándares en xilografías y grabado. Murió cuando tenía 56 años, el 6 de abril de 1528, en su país natal Nuremberg en Alemania. 

Preguntas frecuentes

¿Dónde se encuentran los cuatro jinetes del Apocalipsis de Alberto Durero?

El grabado en madera Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1498) de Alberto Durero se encuentra ahora en el Museo Metropolitano de Arte (MET) en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos.

¿Por qué Alberto Durero hizo Los cuatro jinetes del Apocalipsis ?

Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1498) de Alberto Durero se realizó como parte de su publicación titulada Apocalipsis (1498). Este consistió en 15 ilustraciones inspiradas en el Libro de las Revelaciones de la Biblia. Se cree que podría deberse a los acontecimientos en Europa durante el siglo XV cuando muchos creían que el fin del mundo llegaría en el año 1500, además de amenazas de guerras e invasiones de otros países.

¿Cuándo pintó Alberto Durero Los cuatro jinetes del Apocalipsis ?

Alberto Durero creó Los cuatro jinetes del Apocalipsis en 1498, sin embargo, esta es una xilografía que forma parte de su serie de otras xilografías que componen su publicación Apocalipsis (1498). Se cree que comenzó la serie cuando viajó a Italia desde su casa en Nuremberg desde 1494 hasta 1495. Esto también fue durante la época del Renacimiento en Italia, y Durero fue un artista destacado del Renacimiento del Norte.

¿Qué representan los cuatro jinetes?

En Los cuatro jinetes del Apocalipsis, Durero representa a los cuatro jinetes o jinetes, que son del capítulo seis del libro del Apocalipsis de la Biblia. En este, el autor, que se cree que es Juan de Patmos, narra la profecía de los Siete Sellos y los Cuatro Jinetes son los Primeros Cuatro Sellos desatados en el mundo. Los Cuatro Jinetes representan diferentes aspectos que traen el Apocalipsis, a saber, «Conquista», «Guerra», «Hambre» y «Muerte», respectivamente. También están representados con sus propias armas y sus caballos se describen por sus colores.

La cerámica, las tallas y la arquitectura del arte sumerio

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CConsiderada la cuna de la civilización, la antigua Mesopotamia fue el hogar de Sumer, ubicada en las partes del sur y una de sus civilizaciones más tempranas y avanzadas durante el Neolítico y la Edad del Bronce. Este artículo explorará la cultura sumeria y sus obras de arte, que van desde cerámica, estatuas y arquitectura. 

Breve reseña histórica: «La tierra entre los ríos»

El Creciente Fértil se puede encontrar en el Cercano Oriente. También se considera una cuna de la civilización debido a la tasa de evolución de los asentamientos agrícolas, la domesticación y otros avances tecnológicos y culturales como la rueda y la escritura. El arqueólogo James Henry Breasted introdujo el nombre como «Creciente fértil» en las publicaciones Outlines of History (1914) y Ancient Times, A History of the Early World (1916). Describió esta región del Medio Oriente de la siguiente manera:

«Esta fértil media luna es aproximadamente un semicírculo, con el lado abierto hacia el sur, con el extremo oeste en la esquina sureste del Mediterráneo, el centro directamente al norte de Arabia y el extremo este en el extremo norte del golfo Pérsico. ”.

Arte sumerio en contextoEl egiptólogo James Henry Breasted (1865-1935); Archivos de la Institución Smithsonian , dominio público, a través de Wikimedia Commons

Otras fuentes lo describen como una forma de «boomerang», con las diversas regiones que lo rodean. Estas regiones incluyen áreas del actual Chipre, Egipto, Irán, Irak, Israel, Jordania, Líbano, Palestina, Siria y Turquía.

Como sugiere el nombre, era una región fértil con tierras cultivables y fuentes de agua dulce. Su vasta biodiversidad lo hizo apto para la agricultura y la agricultura hace miles de años, cuando los cazadores-recolectores gradualmente hicieron la transición a una forma de vida más asentada. También se encuentra entre el norte de África y Eurasia y se ha descrito como un «puente» entre estas dos regiones.

No es de extrañar, entonces, que el Creciente Fértil haya sido considerado como la Cuna de la Civilización: ha sido el lugar de nacimiento del desarrollo y los avances no solo de la civilización humana sino también de la biodiversidad.

Si nos acercamos a algunas de las primeras civilizaciones humanas que comenzaron aquí, encontraremos la antigua Mesopotamia , que ahora se encuentra en la región del actual Irak, y otras regiones como Irán, Siria, Turquía y Kuwait. Mesopotamia se encuentra entre los ríos Tigris y Éufrates y el nombre significa «tierra entre los ríos». Es una de las otras cuatro civilizaciones del valle del río, las otras son la civilización del valle del Indo, el valle del Nilo en el antiguo Egipto y el río Amarillo en la antigua China. 

Ubicación del arte de SumerEste mapa muestra la ubicación y extensión del Creciente Fértil, una región del Medio Oriente que incorpora el Antiguo Egipto; el Levante; y Mesopotamia; Usuario: NormanEinstein , CC BY-SA 3.0 , a través de Wikimedia Commons

Algunos eruditos históricos también sugieren que la Revolución Agrícola, por lo demás neolítica, se originó en la antigua Mesopotamia. Las fechas sugirieron que comenzó alrededor del 10000 a. C. Algunos de los primeros asentamientos agrícolas o pueblos descubiertos datan de alrededor del 11 500 a. C. al 7 000 a. C. El sitio arqueológico Tell Abu Hureyra es un ejemplo de esto.

Se cree que la gente de Abu Hureyra eran cazadores-recolectores que progresaron a la agricultura. También se excavaron herramientas de molienda en esta área, lo que sugiere que los habitantes tenían acceso a granos, posiblemente la cosecha de granos silvestres como se ha sugerido.

También se ha descubierto que los primeros habitantes domesticaron animales como cerdos y ovejas también alrededor del tiempo de 11 000 a 9 000 aC, y plantas cultivadas como cebada, lino, lentejas y trigo, que datan de alrededor del 9500 aC.

Las culturas mesopotámicas se consideraron avanzadas en sus desarrollos: crearon acueductos, sistemas de riego, astronomía, filosofía, las primeras formas de escritura y mucho más. Era una de las regiones más complejas del mundo debido a la diversidad de culturas que la atravesaban.

Mapa de Sumer ArtUn mapa del Antiguo Egipto y Mesopotamia, c. 1450 AC; Свифт / Svift , dominio público, a través de Wikimedia Commons

Algunas de las civilizaciones importantes de la antigua Mesopotamia incluyen sumerios, acadios, asirios y babilonios. Si bien había muchas ciudades-estado en toda Mesopotamia, algunas de las ciudades importantes incluían la sumeria Uruk, Ur y Nippur. También estaba Akkad, que era la ciudad capital del Imperio acadio, las ciudades asirias Nínive y Assur, y Babilonia, la ciudad capital del Imperio babilónico.

Civilizaciones antiguas más tempranas: Sumer

Sumer fue una de las primeras civilizaciones mesopotámicas, que se originó antes de los acadios, mencionado anteriormente. Sumer se encuentra en la parte sur de Mesopotamia y se cree que se estableció entre el 4 500 a. C. y el 4 000 a. C.

El nombre «Sumer» fue dado a los sumerios por los acadios, irónicamente.

«Gente de cabeza negra» o «gente de cabeza negra» es lo que los sumerios usaban como su nombre para sí mismos. Los acadios también usaron esta terminología para los sumerios. La palabra Kengir , que significa «País de los Nobles Señores», era el nombre que los sumerios usaban para su tierra. 

Existe un gran debate académico sobre quiénes fueron las primeras personas que se establecieron en Sumer; algunos sugieren el oeste de Asia y otros el norte de África. Generalmente se cree que las primeras poblaciones o asentamientos en Sumer fueron los ubaidianos o «proto-eufrateanos».

Mapa de Sumer ArtUn mapa general de la antigua Sumeria y Akkad con países, ríos, costas históricas y asentamientos poblados; Cattette , CC BY 4.0 , a través de Wikimedia Commons 

Según diversas fuentes, los habitantes de Ubaid comenzaron la agricultura mediante el drenaje de las marismas circundantes, también desarrollaron sistemas de comercio y diversas artesanías como tejido, trabajo en metal, cuero, alfarería y albañilería. Se creía que el primer y más antiguo asentamiento era Eridu, ubicado al suroeste de la ciudad llamada Ur.

Según los informes, Eridu estaba entre las cinco ciudades gobernadas por un rey o un «gobernador sacerdotal» antes de que las inundaciones fueran destruidas. Los asentamientos se construyeron alrededor de los respectivos templos que veneraban a un dios o diosa patrón.

También se creía que el dios sumerio, Enki, se originó en Eridu en un lugar llamado Abzu, las aguas o el océano, de lo contrario acuíferos, debajo de la tierra; él era el dios del agua. El templo de Enki, también conocido como la «Casa del Acuífero», estaba en el centro de Eridu. Las otras ciudades sumerias anteriores a la inundación incluyen Bad-tibira, Larak, Sippar y Shuruppak.

La importancia de Uruk

Uruk fue considerada una de las primeras ciudades-estado «reales» cuando la civilización sumeria se volvió más urbanizada. Comenzó alrededor del 4000 a. C. y duró hasta el 3 200 a. C. Había varias formaciones estatales como estratificaciones sociales, militares y sistemas administrativos. Se dividió en el Período Uruk Temprano (c. 4000 a. C. a 3500 a. C.) y el Período Uruk Tardío (3500 a. C. a 3100 a. C.).

Era una de las ciudades-estado más grandes del sur de Mesopotamia con alrededor de 40.000 habitantes y una estimación de alrededor de 80.000 a 90.000 personas en las áreas circundantes. Se cree que alcanzó su punto máximo alrededor del 2800 a. C.

Según los informes, la Lista de reyes sumerios indica que Uruk tuvo cinco dinastías. Vale la pena señalar que el quinto gobernante (de la primera dinastía) fue el famoso Gilgamesh, que gobernó alrededor del 2900 a. C. al 2700 a. C. También fue el tema del poema épico llamado Epopeya de Gilgamesh (c. 2100 a. C. a 1200 a. C.) que estaba escrita en una tablilla sumeria.

Famosos tallados sumeriosLa tablilla V recién descubierta de la epopeya de Gilgamesh : Encuentro de Humbaba con Enkidu en el bosque de cedros, período babilónico antiguo, 2003-1595 a. C. Osama Shukir Muhammed Amin FRCP (Glasg) , CC BY-SA 4.0 , a través de Wikimedia Commons

Uruk es una ciudad sumeria importante a tener en cuenta debido a sus avances en la urbanización, como veremos en la amplia gama de arquitectura sumeria. Se incluyeron avances culturales como la escritura, que ahora se conoce como escritura cuneiforme. Inicialmente se utilizó para registrar transacciones comerciales. Estas transacciones tenían el propósito de mantener registros de alimentos y ganado. Fue utilizado por los sacerdotes gobernantes de la zona.

La escritura cuneiforme se hizo presionando un borde cortado de una caña sobre una tablilla de arcilla que aún estaba blanda. Esto creó una forma que parecía una cuña. El nombre también proviene del latín que significa «en forma de cuña».

Este lenguaje escrito se volvió muy flexible porque podía transmitir no solo palabras, sino también números y conceptos.

Arte sumerio

La civilización sumeria no solo avanzó en la agricultura, la economía y muchas otras facetas de la vida, sino que también fueron artistas y constructores. Sus obras de arte cumplieron diferentes propósitos y funciones y la adición de elementos decorativos le dio a cualquier objeto un nuevo carácter.

Lo veremos en las numerosas estatuas sumerias a lo largo de las diferentes dinastías. Por ejemplo, el Adorador masculino de pie (c. 2900 a. C. a 2600 a. C.), que ahora se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, representa a un hombre de pie con ambas manos ahuecadas frente al esternón con una barba larga y lustrosa. y ojos abiertos mirando hacia afuera; sus rasgos faciales han sido esculpidos de manera animada.  

Estatuas sumeriasAdorador masculino de pie , una de las doce estatuas del Tesoro de Tell Asmar; 2900-2600 AC; Museo Metropolitano de Arte , CC0, a través de Wikimedia Commons 

Los sumerios no solo eran expertos en cerámica y escultura, sino que producían hermosas piezas con estos elementos decorativos hechos de piedras semipreciosas como alabastro, lapislázuli y serpentina, por nombrar algunos. Algunas de estas piedras también fueron importadas. Utilizaron metales como plata, oro, bronce y cobre como incrustaciones y diseños en varios objetos.

Los sumerios también usaban piedra y arcilla. La arcilla era un medio popular para trabajar, posiblemente debido a la arcilla presente en el suelo, y veremos mucho arte sumerio hecho a partir de ella. Los elementos decorativos adornarían varios artículos como joyas, cabezas talladas, instrumentos musicales, ornamentación, armas, sellos de cilindros y muchos otros.

La mayor parte del arte sumerio se origina en tumbas; de hecho, muchos objetos, a menudo importantes, fueron enterrados con los muertos.

Esto también nos dice que el arte tuvo fuertes propósitos religiosos durante este período. Uno de los descubrimientos arqueológicos más importantes de la historia ha sido el de Sir Leonard Woolley, su esposa Katharine Woolley y su colaboración con el Museo Británico y el Museo de la Universidad de Pensilvania.

Sitio de arte sumerioExcavaciones del Cementerio Real de Ur; Expedición conjunta del Museo Británico y del Museo de la Universidad de Pensilvania a Mesopotamia Hall, HR (Harry Reginald), 1873-1930, ed Woolley, Leonard, Sir, 1880-1960 Legrain, Leon, 1878- ed , Sin restricciones, a través de Wikimedia Commons

De 1922 a 1934, Woolley, que era un arqueólogo británico, dirigió una excavación en una de las ciudades sumerias llamada Ur. El diseño de la ciudad consistía en templos centrales de adobe con un cementerio circundante. Aquí también descubrieron el Cementerio Real, que, según los informes, estaba en un área utilizada como un gran montón de basura donde la gente no podía construir.

En cambio, se utilizó como lugar de enterramiento con varias tumbas que se cree que pertenecieron a regalías sumerias.

El cementerio data de alrededor del 2600 a.C. al 2000 a.C. y el descubrimiento de 16 tumbas data de alrededor de mediados del 3000 a.C. Las tumbas también eran diferentes en disposición y tamaño. Según los informes, el equipo de excavación encontró más de 2000 entierros.

Sitio de arte sumerioTumba de Meskalamdug (PG 755, B) en Ur, junto a la tumba real PG 779 (A) y la tumba real PG 777 (C), 1934; Imágenes de libros de Internet Archive , sin restricciones, a través de Wikimedia Commons

Las tumbas albergaban una gran cantidad de objetos como cerámica, incluidos cuencos, jarras y jarrones, joyas, sellos cilíndricos con inscripciones de los nombres de los muertos, instrumentos musicales de los que las liras eran bastante prominentes, esculturas, pinturas sumerias y muchos otros.

Uno de los famosos lugares de enterramiento pertenecía a una mujer, que se cree que era una «reina», llamada Puabi.

Vivió en la Primera Dinastía de Ur, alrededor del 2600 a. C. Ella fue referida como nin por los sellos de cilindro descubiertos. Nin es una palabra sumeria que se usó para referirse a alguien que fue designado como reina o sacerdotisa. También se ha traducido como «dama».

Tallas sumeriasCilindro-sello de la «Dama» o «Reina» (Nin sumerio) Puabi, uno de los principales difuntos del Cementerio Real de Ur, c. 2600 antes de Cristo. Escena de banquete, típica del período dinástico temprano; Nic McPhee de Morris, Minnesota, EE. UU. , CC BY-SA 2.0 , a través de Wikimedia Commons

Su tumba sepulcral incluía numerosos artículos que estaban vinculados a la riqueza, estos también eran artículos de alta calidad como joyas, tocados, incluido su propio tocado con motivos florales dorados y cuentas hechas de lapislázuli y cornalina.

Las fuentes también afirman que estas tumbas fueron saqueadas a lo largo de los años, excepto la tumba de Puabi, que indudablemente provocó preguntas sobre su estatus e importancia en la sociedad sumeria.

Es importante recordar que hay cientos de artefactos sumerios descubiertos, todos de diferentes regiones y todos con diferentes propósitos e historias. A continuación, analizaremos solo algunas de las famosas piezas de arte sumerio, que incluyen, entre otros, algunos de los elementos descubiertos en las tumbas reales, incluida la tumba de Puabi. Se anima a realizar una investigación más extensa para descubrir todas las demás piezas de arte sumerias únicas y hermosas que adornan nuestros museos en la actualidad.

Carnero en un matorral (c. 2600 a . C. a 2400 a. C.)

El carnero en un matorral (c. 2600 a . C. a 2400 a. C.) es una figura de un carnero, en realidad una cabra, de pie sobre sus patas traseras frente a lo que parece un árbol, posiblemente buscando algo de comida. Esta figurilla vino en un par; los dos fueron excavados en lo que se llamó el «Gran Foso de la Muerte» en el Cementerio Real de Ur, no muy lejos el uno del otro.

El excavador británico, Leonard Woolley, eligió el nombre, Ram in a Thicket , porque se parecía a una referencia del libro de Génesis, 22:13, en la Biblia cuando Abraham estaba a punto de sacrificar a Isaac, su hijo:

“Entonces Abraham miró hacia arriba y vio un carnero atrapado por sus cuernos en un matorral. Entonces tomó el carnero y lo sacrificó en holocausto en lugar de su hijo ”.

Estatuas sumerias famosasCarnero atrapado en un matorral , c. 2600 a. C. a 2400 a. C., una de las dos estatuillas de cabras del «Gran Foso de la Muerte» de las excavaciones de Ur; M. Louise Baker , sin restricciones, a través de Wikimedia Commons

La figura mide 45,7 x 30,48 centímetros y está compuesta de plata, oro, lapislázuli, concha, aleación de cobre, piedra caliza roja y betún. Un dato interesante sobre el betún (o asfalto) es que los sumerios lo usaban como adhesivo. Se cree que la palabra sumeria para betún es esir .

Si miramos más de cerca al Ram en un matorral, notaremos que tiene un núcleo de madera. La cabeza y las patas están cubiertas con pan de oro que se adhiere a la madera; las cualidades adhesivas del betún lo mantienen pegado. Las orejas están hechas de cobre. Los cuernos están hechos de lapislázuli.

Desde la vista dorsal del carnero, hay lo que parece ser un vellón que cubre la zona superior de los hombros, que también está hecha de lapislázuli; el vellón que recubre el resto de su cuerpo es de concha, también adherida con betún. La vista ventral muestra que el área del estómago del carnero está hecha de una placa de plata, pero se informa que está oxidada y no se puede reparar. Los genitales del carnero están hechos de oro. 

Estatuas de arte sumerioUna de las dos estatuillas excavadas del «Gran Foso de la Muerte» de Ur y apodada el «Carnero en la espesura» por Sir Leonard Woolley; Torquatus , CC BY-SA 4.0 , a través de Wikimedia Commons

El árbol en sí es de color dorado, hecho de pan de oro con flores doradas al final de cada rama. Tanto el carnero como el árbol están sobre una pequeña plataforma rectangular hecha de concha, lapislázuli y piedra caliza roja. Parece un patrón de mosaico que cubre la base. También hay un pequeño tubo que sobresale del área del hombro superior de cada ariete, que se cree que posiblemente fue para sostener un objeto como un cuenco.  

Actualmente, los carneros se encuentran en dos museos diferentes, uno en la Galería Mesopotamia del Museo Británico en Londres. El otro carnero está en el Museo de Arqueología y Antropología de la Universidad de Pensilvania.

Estándar de Ur (c. 2600 a. C. a 2400 a. C.)

El estandarte de Ur (c. 2600 a. C. a 2400 a. C.) fue excavado en el cementerio real de Ur, también durante las excavaciones dirigidas por Leonard Woolley. Se encontró cerca del hombro de un hombre en la esquina de una tumba cree que se han dedicado a Ur-Pabilsag, un rey durante la primera dinastía de Ur durante el 26 º siglo antes de Cristo.

Woolley sugirió que el artículo se usó como estándar, que está relacionado con alguien que lleva una imagen que se relaciona con una persona de alto estatus como un rey en este sentido.

Sin embargo, ha habido un debate sobre la función real de este artículo, algunos también sugirieron que se usaba como caja de almacenamiento o caja de resonancia. El artículo sufrió daños considerables a lo largo de los siglos por el peso del suelo y la descomposición de la madera. Se han realizado intentos de restauración para que parezca que podría haber lucido cuando se usó.

Mosaico de arte sumerioEl estandarte de Ur , 2600 a. C. (el período dinástico temprano III), descubierto en el cementerio real de Ur (gobernación de Dhi Qar, Irak); Denis Bourez de Francia , CC BY 2.0 , a través de Wikimedia Commons 

Como lo vemos ahora, se trata de una caja de madera hueca que mide 21,59 centímetros de ancho y 49,53 centímetros de largo. Hay incrustaciones a lo largo de cada largo y extremo de la caja. Estos están hechos de piedra caliza roja, lapislázuli y concha, en formato de mosaico. La longitud de la caja se divide en tres paneles.

Lo que es tan único en esta caja es que las incrustaciones de mosaico están representadas en detalle contando una historia visual. La narrativa y el tema se han titulado “Guerra” y “Paz” porque hay figuras que se relacionan con los militares y otras figuras que parecen estar involucradas en un banquete.

Si miramos más de cerca, el panel «Guerra» muestra varias figuras del ejército sumerio. En el panel superior, desde la izquierda, vemos a un hombre parado junto a un carro tirado por cuatro burros. Hay miembros de la infantería con mantos y lanzas y una figura central, más alta, posiblemente el rey, sosteniendo una lanza esperando una procesión de prisioneros que se aproximan por la derecha. Cada prisionero parece estar desnudo y posiblemente escoltado por miembros de la infantería.

Mosaico de guerra de arte sumerioEstandarte de Ur , 2600 aC, paneles «Guerra»; Autor desconocido Autor desconocido , dominio público, a través de Wikimedia Commons

El panel del medio muestra lo que parecen ser más miembros del ejército y perpetradores golpeados y asesinados. Desde la izquierda, hay ocho hombres que visten las mismas prendas militares (capas y cascos) con armas. Parece como si se estuvieran acercando a una batalla en curso que vemos representada en el lado derecho del panel. El panel inferior de la caja muestra cuatro carros conducidos por cuatro burros para cada uno. En cada vagón, hay un conductor y un soldado listos para luchar. También notaremos que debajo de tres de los vagones hay cadáveres de los enemigos muertos por el peso del vagón y los que están sobre él.

Las ruedas representadas en los vagones son estructuras sólidas, un retrato revelador de cómo podría haber sido en la vida real.

También hay un dinamismo retratado en las posturas del burro; desde la izquierda, el primer vagón con burros parece caminar, el vagón y los burros delante de ellos parecen ir un poco más rápido, también conocido como galope. El tercer grupo de carros y burros parece estar galopando y el último grupo de burros se está encabritando. 

Mosaico de la paz del arte sumerioEstandarte de Ur , 2600 aC, paneles «Paz»; Alma E. Guinness , CC0, a través de Wikimedia Commons

Si miramos los paneles de “Paz”, comenzando por el panel superior, veremos al rey en un taburete a la izquierda. Hay seis figuras, también sentadas, con copas en la mano derecha, todas de cara al rey, que también tiene una copa en la mano derecha. Hay varios asistentes y un músico sosteniendo una lira, de pie como la segunda figura del lado derecho. En la parte central del panel «Paz», notaremos varias figuras que marcan el comienzo de animales que parecen ser carneros y vacas. Algunas figuras también parecen contener peces.

La parte inferior del panel muestra figuras con burros y mochilas en la espalda, posiblemente de alimentos. Estas procesiones de figuras de la parte media e inferior del panel podrían estar camino al banquete con ofrendas hacia la fiesta.

La lira de la reina (c. 2600 a. C.)

La Lira de la Reina (c. 2600 a. C.) se encontró entre muchas otras liras del Cementerio Real de Ur. Con una altura de 112,50 centímetros y una longitud de 73 centímetros, esta lira fue encontrada en la tumba de la reina Puabi. La madera que lo compuso fue dañada por todos los años en la tumba, pero ha sido restaurada en varias partes. Según los informes, Leonard Woolley encontró dos liras en la tumba de la reina.

Cuando lo miramos más de cerca, vemos que la caja de música tiene la forma de un toro. La cabeza y el rostro son de oro con lapislázuli que componen el cabello de la cabeza, la “barba” de cabello debajo del rostro del toro y sus ojos, que también son de concha. Los dos cuernos blancos aparentemente no son parte de la figura original y antigua, sino adiciones modernas que nos dan una indicación de cómo se veía.

Arte SumerLa lira de la reina de la tumba PG 800 en el cementerio real de Ur, en el sur de Mesopotamia, Irak. Período dinástico temprano, alrededor del 2500 a. C. Osama Shukir Muhammed Amin FRCP (Glasg) , CC BY-SA 4.0 , a través de Wikimedia Commons

A medida que nos movemos hacia abajo, lo que teóricamente sería hacia la vista ventral del cuerpo del toro, pero que en realidad es la curva de la caja de música, vemos los paneles de mosaico similares hechos del mismo material que el estándar de Ur anterior , concha, rojo. piedra caliza y lapislázuli.

Este panel frontal está dividido en cuatro cuadrados, cada uno con imágenes.

La imagen superior es un águila con cabeza de león y alas extendidas con dos gacelas flanqueantes. La siguiente imagen es descrita por varias fuentes como «toros con plantas en las colinas». Sin embargo, cuando los miramos de cerca, estos aparecen como dos carneros parados sobre sus patas traseras que alcanzan un árbol en una especie de montículo basal. Estos son una reminiscencia de las figuras de Ram en un matorral .

Famoso arte sumerioLa lira de la reina de la tumba PG 800 en el cementerio real de Ur, en el sur de Mesopotamia, Irak. Período dinástico temprano, alrededor del 2500 a. C. Osama Shukir Muhammed Amin FRCP (Glasg) , CC BY-SA 4.0 , a través de Wikimedia Commons 

El tercer cuadrado, por así decirlo, representa una figura con el cuerpo de un carnero o toro y el torso de un hombre, sosteniendo dos leopardos (¿o guepardos?) Por sus patas traseras. El último cuadrado representa a un león ocupado clavando sus dientes en un toro. También hay una forma de árbol en el fondo, similar en apariencia a los dos árboles del segundo cuadrado.

Jarrón Warka (Uruk) (c. 3200 a. C. – 3000 a. C.) 

Warka es el nombre moderno de la antigua ciudad sumeria que se llamaba Uruk. El jarrón de alabastro Warka (c. 3200 a. C. a 3000 a. C.) es otro ejemplo de la belleza de las tallas sumerias. Se han debatido las medidas de esta embarcación, ya que una entrada del libro de campo de 1934 (cuando fue encontrada) indicaba que tenía alrededor de 96 centímetros de altura, mientras que otras fuentes afirman que tiene 105 y 106 centímetros de altura.

Independientemente de sus medidas, es seguro decir que mide alrededor de un metro de altura. Su diámetro se mide en 36 centímetros. 

El jarrón Warka fue encontrado por un grupo de excavadores alemanes alrededor de los años 1933 a 1934. Estaba en el templo dedicado a la diosa sumeria llamada Inanna. Presidió la belleza, el sexo, el amor, la justicia y la guerra. Las tallas sumerias están hechas como tallas en relieve y se extienden alrededor de la vasija dividida en cuatro paneles, también conocidos como registros.

Famoso arte sumerioJarrón Warka desde todos los ángulos; Osama Shukir Muhammed Amin FRCP (Glasg) , CC BY-SA 4.0 , a través de Wikimedia Commons

Cada registro representa diferentes figuras y objetos de la naturaleza; el panel inferior está lleno de agua en la parte inferior y cultivos de lo que parece ser cebada y trigo en medio de juncos; el segundo panel muestra carneros y ovejas. En el tercer panel, vemos nueve figuras desnudas de hombres cargando recipientes o cestas con comida. El panel superior muestra más personajes, incluida la diosa Inanna y el rey.

Hay diferentes ideas en cuanto a qué narrativa retrata el tema; algunos sugieren que es un matrimonio entre el rey y la reina y otros que es una celebración de la reina. Este recipiente se encuentra en el Museo Nacional de Irak.  

Arquitectura sumeria

La arquitectura de los sumerios es otra parte importante no solo de la cultura sumeria, sino también del arte sumerio. La mayoría de los edificios estaban hechos de ladrillos de arcilla, un material muy extendido. Los sumerios también fueron conocidos como una de las primeras culturas en emprender la planificación urbana o urbanística. Los edificios iban desde casas hasta palacios y tenían diferentes funciones, por ejemplo, comercial, cívica y residencial.   

Como se describe en algunos ejemplos anteriores, normalmente encontraremos un templo como edificio central.

Arquitectura sumeriaZigurat del Templo Blanco en Uruk; tobeytravels , CC BY-SA 2.0 , a través de Wikimedia Commons 

El Zigurat era una estructura importante, en forma de torre piramidal o «plataforma elevada». Fue construido para venerar al dios o diosa dedicado, y un recordatorio de los líderes políticos que actuaron en nombre de esa deidad, esta era una gran parte del sistema teocrático sumerio.

Un ejemplo de lo anterior fue el Templo Blanco (c. 3517 a. C. a 3358 a. C.) construido sobre el Anu Zigurat en Uruk. Anu era el dios del cielo. Sin embargo, se registra la existencia de casi más de 30 templos de este tipo en varios lugares de Mesopotamia.

Arquitectura sumeriaPlanos del Templo Blanco y Zigurat en Uruk, 3500-3000 a. C. Fletcher Banister, publicado en 1898 , dominio público, a través de Wikimedia Commons

De la escritura a las ruedas: los sumerios recordados 

La civilización sumeria fue sucedida por los acadios, liderados por el gobernante Sargón de Akkad, desde el 2334 a. C. hasta el 2154 a. C. Después de la caída del Imperio Acadio, hubo un período denominado «Edad Oscura», después del cual hubo un resurgimiento de la cultura sumeria con el comienzo de la Tercera Dinastía de Ur (2112 a. C. a 2004 a. C.). Esto también se llamó el período neo-sumerio. Se ha comparado con una especie de «Edad de Oro» de la civilización sumeria y el renacimiento de las artes, especialmente las artes religiosas.

Los sumerios indudablemente fueron avanzados de muchas maneras, preparando el escenario para que muchas civilizaciones aparecieran en tantas disciplinas en la vida como el arte, la ciencia, la religión, la política, la agricultura y más. Han sido elogiados como algunos de los más grandes inventores antiguos, piense en la rueda y la escritura. Y ahora, en nuestra época moderna, todavía los recordamos como una civilización rica en cultura, adornada con gemas de sabiduría al igual que el arte que crearon.

Preguntas frecuentes

¿Cuándo fue el período sumerio?

Sumer fue una de las primeras civilizaciones mesopotámicas que se originó antes de la civilización acadia. Sumer se encuentra en la parte sur de Mesopotamia y se cree que se estableció entre el 4 500 a. C. y el 4 000 a. C.

¿Qué significa «Sumer»?

El nombre de Sumer fue dado a los sumerios por los acadios. «Gente de cabeza negra» o «gente de cabeza negra» es lo que los sumerios usaban como su nombre para sí mismos. La palabra Kengir , que significa «País de los Nobles Señores», era el nombre que los sumerios usaban para su tierra. 

¿Qué tipo de arte se creó en Sumer?

Los sumerios crearon arte a partir de diferentes materiales como piedras semipreciosas, conchas, madera, piedra caliza roja, metales como oro, plata y cobre, por nombrar algunos. Todos estos se utilizaron en pinturas y mosaicos de Sumer. Estatuas sumerias, esculturas, figurillas, cerámica y varios otros objetos también fueron descubiertos en grandes cantidades por diversas excavaciones arqueológicas. La arquitectura y las tablillas de los sumerios para escribir en escritura cuneiforme se construyeron principalmente con arcilla, ya que este era un medio extendido y natural.

¿Cuál fue el propósito del arte sumerio?

El arte sumerio estaba bellamente decorado con ornamentaciones y tenía fines religiosos y sagrados. Muchos de los objetos de arte sumerios fueron descubiertos en tumbas y fueron enterrados con sus respectivos dueños. Los templos eran estructuras importantes y se les dio gran cuidado en la construcción con el propósito de venerar a las deidades respectivas.

Cómo dibujar una bombilla

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ENYa sea que quieras encontrar una chispa de inspiración, conmemorar el momento de una bombilla o compartir la luz con amigos y familiares, qué mejor manera que a través de un dibujo de bombilla. En este tutorial de dibujo, le mostramos cómo crear dibujos realistas de una bombilla. Nuestro enfoque en este tutorial es crear un dibujo de luz tridimensional con vidrio transparente. 

Un tutorial paso a paso para un dibujo simple de una bombilla

Lo que estamos intentando crear en este tutorial es un poco complicado. Queremos dar la impresión de tres dimensiones con un objeto que es naturalmente transparente. Lo haremos a través de sombras y reflejos. Comenzamos el tutorial usando algunas formas y líneas de construcción diferentes. Estas formas nos ayudarán a crear la forma final del dibujo de la bombilla con facilidad. 

Puede ver un esquema de los pasos en este sencillo tutorial de dibujo de bombilla a continuación. 

dibujo de bombilla

Cuando se trata de su medio, no hay limitaciones. Si es un artista gráfico, puede usar fácilmente su tableta de dibujo. Los artistas más físicos pueden usar lápices o pintura. 

Independientemente del medio que esté utilizando, reúna sus materiales de dibujo y permítanos comenzar con el sencillo tutorial de dibujo de bombillas. 

Paso 1: delinea la esfera de la bombilla

En este primer paso, simplemente dibujará un círculo grande en el centro de su lienzo. Este círculo representará el globo terráqueo del dibujo de la bombilla. 

Asegúrese de que haya suficiente espacio alrededor de este círculo para el resto de la bombilla. 

dibujo de bombilla 01

 

Paso 2: Dar forma a la inclinación de la bombilla

En este segundo paso, comenzará a crear la inclinación del dibujo de la bombilla. En el lado derecho del círculo de la bombilla, dibuja dos líneas inclinadas. 

La línea superior debe estar un poco más inclinada hacia abajo y debe terminar un poco más afuera que la inferior. 

dibujo de bombilla 02

Paso 3: Dar forma a la tapa de la bombilla

Ahora va a utilizar otra forma de construcción para colocar la base de la tapa al final del dibujo de la bombilla. Aunque esta gorra es bastante redondeada, vamos a utilizar un cuadrado como base. Al final de las líneas de inclinación, dibuje un cuadrado que encaje directamente entre los extremos. 

En pasos posteriores, redondearemos esto y agregaremos las tiras donde la bombilla se atornilla en el casquillo. 

dibujo de bombilla 03

Paso 4: Dibujar el tallo del filamento

Los filamentos dentro del dibujo de la bombilla se extienden desde un vástago. En este paso, puede dibujar una forma de rectángulo ligeramente redondeado que se extienda desde el cuadrado de la tapa hasta el círculo de la bombilla. 

Esta forma de tallo debe estar en el centro de la tapa. 

dibujo de bombilla 04

Paso 5: extender el tallo de su dibujo de luz

Encuentre el punto central de la base del vástago más grande y dibuje una segunda parte del vástago de vidrio que se extienda más hacia el círculo del bulbo. Esta parte secundaria del tallo debe ser más delgada que la primera y también más redondeada. 

Desea terminar esta extensión del vástago justo antes del punto central del círculo del bulbo. 

dibujo de bombilla 05

Paso 6: Dar forma al filamento de su dibujo de bombilla

El filamento final de nuestros dibujos de una bombilla es un poco más redondeado de lo que vamos a dibujar en este paso, pero por ahora simplemente estamos creando la forma general. Alrededor de la parte más pequeña del tallo, dibuja una forma de triángulo incompleta. 

Las líneas inferiores de la forma del triángulo deben ubicarse justo dentro de los bordes del tallo más grande. 

dibujo de bombilla 06

Paso 7: delinear la forma del dibujo de la bombilla

Vamos a comenzar con el esquema final de su dibujo simple de la bombilla delineando la forma de la bombilla. Usa las líneas de construcción para ayudarte a delinear la forma del bulbo. Puede seguir de cerca el círculo de la bombilla. 

Cuando llegue al tallo, puede agregar una pequeña curva y una protuberancia antes del cuadrado de construcción de la tapa. 

dibujo de bombilla 07

 

Paso 8: Crear el contorno de la tapa 

Para continuar creando el contorno final de su dibujo fácil de bombilla, ahora puede delinear la tapa redondeada y agregar las crestas de la rosca del tornillo. Use el exterior del cuadrado de la tapa para obtener el ancho correcto de la tapa y luego redondee en la parte inferior. Alrededor de los bordes de la tapa, puede crear crestas para representar la rosca del tornillo. En la parte inferior de la tapa, dibuje una pequeña joroba redondeada para representar el contacto eléctrico. 

Termine los detalles de la tapa agregando algunas líneas finas entre los contornos del hilo. 

dibujo de bombilla 08

Paso 9: Detallar el filamento de su dibujo de bombilla simple

Este paso puede llevar un poco más de tiempo que los anteriores, ya que agregará una cantidad significativa de detalles al filamento. Comience dentro del tallo del bulbo, dibujando algunas líneas finas dentro del tallo más grande. Estas líneas representarán el fusible de la bombilla, también conocido como tubo de escape.

Tómese su tiempo con este detalle, es posible que deba volver a dibujarlo varias veces.

Delinea el tallo más pequeño, agregando una parte superior redondeada. Puede agregar algunas líneas de textura dentro de este tallo más pequeño. Ahora puede delinear el triángulo de filamento, creando más una curva en la parte superior. Puede utilizar una línea ligeramente garabateada para la línea superior del filamento. Desde la parte superior del tallo pequeño, dibuja dos antenas que unan la parte superior del filamento con un lazo. 

Puede finalizar este paso borrando las líneas de construcción. 

dibujo de bombilla 09

 

Paso 10: Adición de la primera capa de color

Es hora de agregar la primera capa de color a su dibujo simple de bombilla. Por lo general, las bombillas no tienen ningún color, por lo que simplemente usaremos un tono gris para agregar algo de profundidad y tridimensionalidad. Usa un pincel normal y pintura gris verdosa. Utilice este tono para llenar la bombilla de la bombilla. No coloree la gorra en este paso. 

Asegúrate de que tu primera capa de color sea suave y no tenga manchas. 

dibujo de bombilla 10

Paso 11: agregar sombreado a su dibujo de luz

En este paso, agregará algunas sombras y algunos reflejos a nuestros dibujos de una bombilla. Como la bombilla es de vidrio, queremos lograr una apariencia tridimensional realista. Use un pincel suave y un poco de pintura gris un poco más oscura para dar sombra al cuarto inferior de la bombilla. 

Para finalizar este paso, comience a agregar reflejos usando un pincel mezclador y un toque de pintura blanca para resaltar los bordes superiores de la bombilla. 

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Paso 12: agregar reflejos precisos al dibujo de la bombilla

El resaltado básico en el último paso preparó el escenario para los resaltados más detallados que vamos a agregar ahora a nuestro sencillo dibujo de bombilla. Use una brocha pequeña para mezclar esta vez con un poco de pintura blanca y comience por trazar la forma de la parte inferior de la bombilla. Coloque este resaltado un poco por encima de la parte inferior de la bombilla y coloque un par de descansos en el resaltado. 

Dentro de la bombilla, agregue algunos puntos más pequeños de iluminación a cada lado del filamento y dentro del tallo grande. 

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Paso 13: agregar la primera capa de color en la gorra

En este paso, use un pincel normal y pintura gris oscuro para rellenar la tapa y la rosca del dibujo de la bombilla. 

Para finalizar este paso, utilice un poco de pintura negra y un pincel fino para rellenar el contacto eléctrico. 

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Paso 14: agregar sombreado a la tapa de su dibujo de bombilla

En este paso, creará una sensación de tridimensionalidad en la tapa agregando algunas sombras. Use un pincel de mezcla pequeño y solo un toque de pintura negra para agregar una sombra a la tapa. Enfoque el sombreado en el borde inferior de la gorra, en el lado izquierdo y en el centro. También puede agregar una línea delgada de sombreado a lo largo del lado derecho de la tapa, justo encima del punto de contacto eléctrico. 

Cuando use negro para crear sombras, recuerde siempre que menos es más. Siempre puede agregar más sombreado, pero es casi imposible eliminar el negro una vez que se ha aplicado. 

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Paso 15: resaltando la tapa de la bombilla

El sombreado es solo la mitad de la fórmula de dimensión. El otro lado está agregando reflejos. Use una pequeña brocha para difuminar y un toque de pintura blanca y aplique con cuidado algunos reflejos dentro de los hilos. Justo encima de la franja de sombreado en la tapa, puede crear una franja de resaltado. 

Después de pintar sus mechas, use un pincel de difuminar limpio y seco para untar y difuminar las mechas, creando una impresión más suave y natural.  

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Paso 16: Terminando el dibujo de una bombilla de luz fácil

Este último paso consta de dos partes. Primero, va a agregar algo de color al tubo de escape y luego puede eliminar los contornos de su dibujo simple de bombilla. Para colorear el escape, busque un poco de pintura verde oscuro y use un pincel fino para llenar el tubo. Luego, use un poco de pintura marrón y un pincel afilado para colorear los cables conductores del filamento. Finalmente, para esta primera parte, use un toque de pintura gris claro para rellenar el tallo más pequeño. Para terminar el dibujo de la bombilla sin problemas, ahora puede borrar los contornos. 

Si es un artista gráfico, simplemente puede eliminar la capa de contorno. Si está utilizando un medio más físico, simplemente puede trazar los contornos con el color correspondiente en cada punto. 

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¡Felicitaciones por terminar nuestro sencillo tutorial de dibujo de bombillas! Con suerte, has disfrutado del proceso y estás contento con el dibujo final. Ahora que sabe cómo dibujar una bombilla, puede experimentar con otras técnicas de dibujo con luz. 

Preguntas frecuentes

¿Me ayudará este tutorial a aprender a dibujar una bombilla?

¡Absolutamente! Si nunca antes ha dibujado una bombilla, sin duda ha venido al lugar correcto. En este tutorial, le mostramos exactamente cómo dibujar una bombilla en 16 sencillos pasos. Aprenderá cómo agregar un sentido de tridimensionalidad a su dibujo simple de bombilla con sombreado y resaltado. 

¿Cómo se agrega dimensión a un dibujo simple de bombilla?

La cuestión de cómo crear una sensación de tridimensionalidad dentro de un objeto de vidrio puede parecer intimidante cuando lo intentas por primera vez. Afortunadamente, hemos seleccionado el mejor tutorial de dibujo de luz que lo guía a través del proceso paso a paso de usar el contorno y el contraste para agregar tres dimensiones a los dibujos de una bombilla. 

George Seurat y el puntillismo

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YA todo el mundo le encanta una tarde de domingo perezosa, descansar, tumbarse y mirar a lo lejos. En este artículo lo llevamos a la «Isla del Gran Tazón», también conocida como Île de la Grande Jatte , a las afueras de París. No será una tarde de domingo cualquiera, sino una retratada por el neoimpresionista Georges Seurat, en su cuadro Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884 a 1886).

Resumen del artista: ¿Quién era Georges Seurat?

Georges Pierre Seurat nació en 1859 el 2 de diciembre en París. Seurat tenía dos hermanos, un hermano y una hermana, ambos eran mayores que él. Se interesó por el arte desde muy joven y durante 1875 estudió por primera vez en la École Municipale de Sculpture et Dessin, que era la escuela de arte municipal local; estudió con Justin Lequien.

En 1878 comenzó a estudiar en la École des Beaux-Arts y se fue durante 1879 debido a su servicio militar. Seurat estudió extensamente el color y cómo se percibía, lo que llevó a sus técnicas llamadas puntillismo y divisionismo. También estuvo influenciado por la pincelada y las técnicas de color utilizadas por el artista romántico Eugène Delacroix. Seurat murió cuando tenía 31 años en 1891.

Georges SeuratGeorges Seurat, 1888; Fotógrafo no identificado , dominio público, a través de Wikimedia Commons

Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte en contexto

Aunque Georges Seurat no produjo muchas pinturas durante su corta vida, ciertamente dejó un impacto en el mundo del arte, creando obras de arte que no solo eran estéticamente grandiosas sino artísticamente astutas. Fue recordado como uno de los primeros artistas en innovar la teoría del color y aplicarla a sus pinturas, alejándose del estilo impresionista que dominaba la época.Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte CuadroTarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-1886) de Georges Seurat; Georges Seurat , dominio público, a través de Wikimedia Commons 

En este artículo a continuación, exploraremos un poco más el análisis de Seurat Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte . Comenzaremos con un análisis contextual, discutiendo cuándo Seurat pintó Un domingo en La Grande Jatte y cómo marcó el comienzo de un nuevo estilo llamado Neoimpresionismo.

Luego veremos un análisis formal de la pintura en sí y discutiremos el tema con más detalle, así como los elementos formales como el color y la pincelada, que son aspectos importantes de esta obra de arte.

Artista Georges Seurat
Fecha pintada 1884
Medio Óleo sobre lienzo
Género Pintura de género
Periodo / Movimiento Neoimpresionismo
Técnica Puntillismo, divisionismo
Dimensiones 207,6 x 308 centímetros
Series / Versiones No aplica
¿Dónde está alojado? Instituto de Arte de Chicago
Lo que vale No disponible

Análisis contextual: una breve descripción sociohistórica

El neoimpresionismo se trataba de nuevas narrativas en el arte y esto sustentaba la obra de arte de Georges Seurat. Para que entendamos la pintura revolucionaria de Seurat, Un domingo en La Grande Jatte , es importante saber qué le dio forma a él y, en esencia, a su arte.

Seurat estudió en la École des Beaux-Arts de París de 1878 a 1879, y esto sin duda le dio una formación clásica en el arte académico y las reglas relacionadas con él.

Durante este tiempo en París, las instituciones académicas de arte y el principal cuerpo de exhibición disponible para los artistas, que era el Salón, tenían un lugar dominante en el mundo del arte y determinaron para muchos artistas qué arte sería aceptable exhibir y esencialmente crear.

La École des Beaux-Arts comenzó en 1648 y muchos grandes nombres artísticos estudiaron allí, por ejemplo, el romanticismo Théodore Géricault y Eugène Delacroix, el neoclásico Jean Auguste Dominique Ingres, los impresionistas Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas, y muchos más.

Escuela Georges SeuratEstudiantes que llevan el trabajo de una semana en un carro de mano en la École des Beaux-Arts , grabado de Alexis Lemaistre de su libro L’École des Beaux-Arts dibujado y contado por un alumno , París, Librairie Firmin-Didot, 1889; Alexis Lemaistre , CC BY-SA 4.0 , a través de Wikimedia Commons 

Con esto, había un nivel de conservadurismo y estándares artísticos que mantener, y un conjunto riguroso de jerarquías que distinguían el arte alto del arte bajo en términos de géneros. Los géneros más aceptables fueron las pinturas históricas y los retratos, el primero habría transmitido un mensaje moral, generalmente a través de la representación de figuras bíblicas y mitológicas. Otros géneros como paisajes y naturalezas muertas no se consideraron tan importantes.

Además, los estudios de los alumnos para su práctica artística comenzaron con técnicas de dibujo extensivas antes de continuar con la pintura.

Esto también siguió las reglas artísticas, o cánones como se le conoce en el mundo del arte, de la época clásica. Los alumnos también copiaron de esculturas clásicas y pinturas de artistas del Renacimiento como parte de su práctica, además, dibujaron de moldes y modelos.

Por lo tanto, es seguro decir que los artistas que asistieron a la École des Beaux-Arts sin duda habrían experimentado los enfoques más conservadores y tradicionales del arte, creando obras de arte que eran realistas y casi perfectamente ejecutadas en términos de cualidades formales. Esto era lo que se esperaba en ese momento y lo que era aceptable.

Un domingo en La Grande Jatte en contextoJeroboam Ofrenda en sacrificio por el ídolo (1752) de Jean-Honoré Fragonard, una pintura típica que se encuentra en la École des Beaux-Arts;  Jean-Honoré Fragonard , dominio público, a través de Wikimedia Commons

¿Dejó esto espacio para la innovación o, irónicamente, la creatividad? Probablemente no fue tanto como a algunos les hubiera gustado, y muchos artistas que se apartaron de las estrictas convenciones del Salón y la Académie des Beaux-Arts y crearon sus propios estilos fueron rechazados de las principales exposiciones del Salón.

Fue entonces cuando algunos artistas se unieron durante 1873 y comenzaron el grupo llamado Société Anonyme Coopérative des Artistes, Peintres, Sculpteurs, Graveurs , en inglés conocido como la “Asociación Cooperativa y Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores”.

Este grupo de artistas expuso de forma independiente y pudo mostrar sus nuevos estilos que eran paisajes y escenas cotidianas que se alejaban en muchos sentidos del arte tradicional de la Academia.

Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte en contextoPortada del catálogo de la primera exposición Société Anonyme Coopérative des Artistes, Peintres, Sculpteurs, Graveurs , en 1874; unknown / desconocido / inconnu , dominio público, a través de Wikimedia Commons 

Este grupo llegaría a ser conocido como los impresionistas, y exhibió entre 1874 y 1886. Gran parte de su estilo fue descrito como en plein air que significa “al aire libre”. Vemos esto en muchas pinturas de artistas como Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, aunque Degas no se identificó como un impresionista per se, y muchos más.

Además, los impresionistas pintaron de varias formas nuevas, aplicando la pintura de forma más desordenada para transmitir los aspectos esenciales del tema, también se hizo hincapié en la aplicación de colores para transmitir la luz y la oscuridad y lograr un efecto natural.

Todo esto fue revolucionario en ese momento, incluso el tema era más moderno, incluyendo personas y lugares comunes y no escenas bíblicas o desnudos de Diosa.

Del impresionismo al posimpresionismo

El posimpresionismo, como su nombre lo indica, fue el resultado del impresionismo. Naturalmente, algunos artistas no sentían lo mismo que los impresionistas acerca de la creación de arte y comenzaron a emplear diferentes técnicas. Entre los postimpresionistas estaban los neoimpresionistas, que es donde encaja Georges Seurat.

Fue durante este tiempo, alrededor de 1885, cuando Georges Seurat exhibió su cuadro Bañistas en Asnières (1884) en el Salón de la Academia, pero fue rechazado por su temática, concretamente representando a hombres que eran del París obrero.

Pintura de Georges SeuratBañistas en Asnières (1884) de Georges Seurat; Georges Seurat , dominio público, a través de Wikimedia Commons 

Durante 1884 o 1885 Seurat y otros artistas como Paul Signac, Odilon Redon y Albert Dubois-Pillet fundaron el grupo Société des Artistes Indépendants que significa «Sociedad de Artistas Independientes». Este grupo también expuso de forma independiente del Salón y fue el inicio del neoimpresionismo.

Grupo Georges SeuratLibertad invita a artistas a participar en la 22ª Exposición de la Societe des Artistes Independientes (1905-1906) de Henri Rousseau; Henri Rousseau , dominio público, a través de Wikimedia Commons 

Según los informes, el neoimpresionismo se desarrolló en torno a la última exposición impresionista, que fue durante 1886. Seurat expuso Un domingo en La Grande Jatte durante esta última exposición, así como en las exposiciones de la Société des Artistes Indépendants .

Félix Fénéon, que fue crítico de arte y escritor, inició el término neoimpresionismo cuando revisó el nuevo estilo de pintura que surgió en medio del estilo impresionista. Estas eran principalmente las pinturas de Georges Seurat y su estimado amigo Paul Signac, quien también era un ávido admirador de la obra de arte de Seurat.

«Mi sistema»: puntillismo y divisionismo

Se recuerda que Seurat dijo que quería encontrar “algo nuevo, mi propia forma de pintar”. Ciertamente encontró una nueva forma y, de hecho, un «sistema» como él se refirió a él. También se le ha citado diciendo: “Pretenden ver poesía en mi trabajo, pero se equivocan. Simplemente aplico mi sistema ”.

Para la pintura Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte , Seurat estudió ampliamente su tema y, según los informes, realizó más de 20 pinturas al óleo de paneles preparatorios, más de 20 dibujos y lienzos preparatorios. Seurat también visitó La Grande Jatte y, según los informes, lo completó en dos años. 

Esto indica el nivel de precisión que tomó Seurat para aplicar lo que él creía que era su “sistema” y una nueva forma de pintar, que se llamó Cromoluminarismo, también conocido como Puntillismo o Divisionismo.

Seurat no solo fue influenciado por las aplicaciones estilísticas de Delacroix sino que también leyó varios textos teóricos sobre la teoría del color, por ejemplo, Michel Eugène Chevreul y sus publicaciones sobre las leyes de los colores y su contraste, uno de los libros notables de Chevreul ha sido The Principles of Harmony y Contraste de colores y su aplicación a las artes (1839).

Influencia de Georges SeuratUna página de Los principios de armonía y contraste de colores y su aplicación a las artes , 1872; Michel Eugène Chevreul , CC0, a través de Wikimedia Commons

Para Seurat el Puntillismo consistía en pintar puntos que compondrían la composición, sin embargo, la aplicación del color fue muy importante para obtener un efecto “luminoso”. Los colores se aplicarían uno al lado del otro y sin mezclar.

Se creía que mezclar colores para obtener otro color creaba sombras indeseables y al colocar colores uno al lado del otro mediante trazos o puntos, los ojos de los espectadores combinarían naturalmente los colores para crear el tono deseado y, en última instancia, una apariencia más «vibrante».

Seurat fue recordado por ser meticuloso en su proceso de solicitud y colocó cuidadosamente los puntos uno al lado del otro. Esto lo veremos con más detalle cuando analicemos los aspectos formales y la técnica del análisis de Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte .

Análisis formal: una breve descripción de la composición

Georges Seurat le dijo una vez al poeta y crítico de arte francés Gustave Kahn: “Los Panateneos de Fidias formaron una procesión. Quiero hacer que la gente moderna, en sus rasgos esenciales, se mueva como lo hacen en esos frisos, y los coloque en lienzos organizados por armonías de color, por direcciones de los tonos en armonía con las líneas y por las direcciones de las líneas. ”- una descripción adecuada de su obra de arte, por el propio Seurat. A continuación, discutimos el tema y las técnicas de color de Un domingo en La Grande Jatte con más detalle.

Tema en cuestion

Vemos una escena de la vida parisina moderna durante finales de los 19 º siglo en el famoso de Georges Seurat La Grande Jatte pintura. Hay mujeres, hombres, niños y animales en un terraplén de pasto verde con el río Sena a la izquierda, con una variedad de veleros y yates; incluso podemos ver algunos con remeros en ellos.

Hay más de 30 personas en esta escena y cuando se mira de cerca, todos se ocupan de sus propios asuntos sin prisa. De hecho, lo que ha hecho que esta pintura sea tan controvertida fue que Seurat representó a las figuras sin un sentido de compromiso o emoción.

Las figuras aparecen quietas y de pie como si se parecieran a las figuras que vemos en los frisos egipcios o griegos, como dijo Seurat en la cita mencionada anteriormente.

En el extremo derecho, vemos a una mujer y un hombre erguidos y erguidos como si estuvieran configurando la escena mientras nuestra mirada se desplaza por el resto de la composición. La mujer sostiene lo que parece ser una sombrilla negra en su mano derecha y una fina cuerda en su mano izquierda, que es una correa para el mono capuchino a sus pies; hay un perro aparentemente huyendo del mono.

Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte AnálisisDetalle de Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-1886) de Georges Seurat; Georges Seurat , dominio público, a través de Wikimedia Commons 

Vemos a otro perro más grande directamente a través de estas dos figuras de pie, oliendo algo en el césped donde tres figuras más se relajan casualmente: un hombre medio acostado descansando sobre el dorso de sus antebrazos y codos sosteniendo una pipa en su boca con su mano derecha. , una mujer sentada a su lado ocupada con una servilleta o tela blanca, posiblemente tejiendo, y junto a ella hay un hombre sentado con las rodillas levantadas, sosteniendo un bastón con ambas manos y mirando al frente.

Si nos movemos más adelante, también notaremos que las figuras en el frente están de pie y sentadas en un área sombreada creada por una fuente desconocida que no está en la composición. Esto posiblemente sea de los árboles, que vemos más hacia la derecha de la escena. Sin embargo, hay árboles solitarios dispersos a lo largo de todo el terraplén.

Notaremos a una mujer parada cerca de la orilla del río con una caña de pescar en la mano derecha, y parece haber otra mujer sentada a su lado, sosteniendo una sombrilla en su regazo. Aquí hay un árbol que separa a estas figuras de otra pareja sentada. La mujer parece estar de espaldas a nosotros, los espectadores, y el hombre sostiene una sombrilla.

Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte DetalleDetalle de Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-1886) de Georges Seurat; Georges Seurat , dominio público, a través de Wikimedia Commons 

A medida que avanzamos, hay un hombre de pie y tocando la trompeta, mientras que no muy lejos de él, vemos a dos soldados de pie. Hay una niña corriendo en el punto medio, la única figura aparentemente vivaz en la escena. Hay una pareja de pie sosteniendo a su bebé, y otro perro al fondo olfateando la hierba. Hay una mujer remando en un bote por lo que parecen ser cuatro remeros, y otro bote a lo lejos con lo que se parece a la bandera francesa.

Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte AntecedentesDetalle de Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-1886) de Georges Seurat; Georges Seurat , dominio público, a través de Wikimedia Commons 

En el centro de la composición, hay una mujer y una niña con un vestido blanco a su derecha (nuestra izquierda), ambas parecen caminar en nuestra dirección. La mujer sostiene una sombrilla de color naranja rojizo en su mano izquierda (nuestra derecha) y la niña junto a ella casi nos mira directamente.

Hay multitud de figuras de todos los ámbitos de la vida caminando o sentadas, disfrutando del entorno natural, dándonos la impresión de completa relajación y ocio, una típica tarde soleada de domingo.

Significado de La Grande Jatte

Ha habido un debate académico sobre por qué Seurat incluyó ciertos motivos en la pintura, posiblemente aludiendo a la prostitución que tenía lugar en la isla, donde se reunían los clientes. Dos motivos notables incluyen la mujer a la izquierda con la caña de pescar y la mujer a la derecha con el mono.

La caña de pescar podría sugerir la idea de “pescar” a una posible mujer deseable o que las prostitutas pescaran en busca de posibles clientes. El nombre de la hembra del mono en francés era singesse , que también era un término utilizado para las prostitutas. La mujer de la derecha podría estar con un cliente.

Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte DetallesLa caña de pescar (izquierda) y el mono (derecha) en Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-1886) de Georges Seurat; Georges Seurat , dominio público, a través de Wikimedia Commons 

Además, si miramos el significado de Seurat desde esta perspectiva, proporciona otra narrativa que no es tan vibrante como los colores que componen la escena. Sugiere una vez en 19 ª siglo de París en relación con el trato lascivos entre mujeres y hombres, y la niña en blanco, justo en el centro de todo, sugiere una idea de la pureza o inocencia.

Esta figura central ha sido descrita como posiblemente cuestionando los ideales y la moral parisina, y la clase de personas que la rodean y su destino. Sin embargo, ¿podría esto también tocar la idea de que este podría ser su destino cuando crezca? Seurat lo deja abierto a la interpretación.

Color y técnica

Seurat pintó Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte en varias etapas. Según los estudios de la Microscopista de Conservación, Inge Fiedler, del Art Institute of Chicago, Seurat pintó La Grande Jatte en tres etapas. Aplicó pintura en una etapa posterior debido a su conocimiento revisado de la teoría del color.

Estas tres etapas fueron las siguientes: la primera fue cuando Seurat comenzó la pintura en 1884 hasta alrededor de 1885. La segunda etapa fue cuando «reelaboró» la pintura de 1885 a 1886, y la tercera etapa fue cuando agregó el borde alrededor de la pintura en 1888; también agregó algunos retoques.

Durante la primera etapa, aplicó colores que supuestamente eran terrosos, como el ocre y otros colores como siena quemada, verde esmeralda, bermellón, amarillo óxido de hierro, viridiano, azules como cobalto y ultramar, lago rojo y otros, incluido el negro.

Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte StudyUn estudio para La Grande Jatte: el perro blanco (c. 1884) de Georges Seurat; Georges Seurat , dominio público, a través de Wikimedia Commons

Fue durante su segunda etapa cuando supuestamente añadió sus «puntos», que consistían en pequeñas pinceladas o «pinceladas». Su paladar también estaba sin mezclar, y aplicó los colores uno al lado del otro. Esto también es evidente en la forma en que Seurat pintó la frontera. Cuando Seurat utilizó el pigmento amarillo de zinc para acentuar la luz solar, comenzó a reaccionar químicamente y se volvió de un color «amarillo parduzco».

Este amarillo también reaccionó cuando Seurat lo mezcló con otros colores y formó zonas más oscuras en la pintura que indudablemente no eran deseadas.

Un ejemplo de esta decoloración es evidente en las portadas de libros que están al lado de la mujer que parece estar tejiendo junto al hombre que fuma en pipa, esto hacia la izquierda de la composición. Según se informa, estas portadas de libros habrían sido «amarillo anaranjado brillante de libros de bolsillo contemporáneos».

Un domingo en La Grande Jatte DetailDetalle de Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-1886) de Georges Seurat; Georges Seurat , dominio público, a través de Wikimedia Commons 

El «pintor de confeti»

Seurat fue apodado como el «pintor de confeti» debido al peculiar nuevo estilo que introdujo en el mundo del arte conservador. Sin embargo, aparentemente, incluso algunos de los impresionistas no querían exhibir sus pinturas junto a las de Seurat. Además, debido al tamaño de Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte , aproximadamente de 2 x 3 metros, se enfatizaron sus efectos. 

En nuestro 21 st -century la cultura pop podemos ver la pintura de la Grande Jatte retomando su papel en programas de televisión como Los Simpsons , The Office (la adaptación de EE.UU.), y películas como Día libre de Ferris Bueller (1986) y Looney Tunes: De nuevo en Action (2003), entre otros.  

Sin embargo, Seurat introdujo algo completamente diferente a lo que describieron los impresionistas; donde fueron más espontáneos, Seurat fue más «matemático» en su planificación. Le dio a la pintura el tiempo que necesitaba para convertirse en una obra maestra, mostrando al mundo, que era el París del siglo XIX en ese momento, una nueva avenida del arte. 

Preguntas frecuentes

¿Quién creó la pintura Lazy Sunday Afternoon?

El pintor neoimpresionista Georges Seurat creó el óleo titulado Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte en 1884. Representa a varios parisinos de la ciudad relajándose en un terraplén verde junto al río Sena.

¿Cuál fue la técnica de pintura de Georges Seurat?

Georges Seurat fue identificado como un neoimpresionista, innovó la nueva técnica llamada puntillismo o divisionismo, a la que se refirió como cromoluminarismo. Esto consistió en aplicar “puntos” que eran pinceladas individuales una al lado de la otra que permitían que los ojos de los espectadores mezclaran colores de forma natural en lugar de mezclar colores mientras pintaban. 

¿En qué se diferencian el impresionismo y el posimpresionismo?

El impresionismo se caracterizó por ser más expresivo y espontáneo en su estilo, representando momentos tal como aparecían, así como la iluminación natural. Pintaron en plein air , que significa «al aire libre». El neoimpresionismo se consideraba más preciso y «consciente» en la interpretación de una composición, y algunos críticos de arte pensaron que era más científico en su enfoque en términos de cómo se aplicaban los colores.

Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte ¿Tamaño?

La pintura de Georges Seurat Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte mide alrededor de 207,6 por 308 centímetros, que es alrededor de 7 por 10 pies.

El arte y los arquitectos de los edificios Arte modernista

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El Arte modernista es un estilo internacional de arquitectura y arte altamente decorativo que fue popular en Europa desde alrededor de 1890 hasta el comienzo de la primera guerra mundial. El uso de las nuevas tecnologías permitió un estilo elaboradamente ornamental que se extendió por Europa y ayudó a crear algunas de las arquitecturas Arte modernista más llamativas de la historia. En este artículo, aprenderemos más sobre los edificios Art Nouveau y los arquitectos que los construyeron.

¿Qué es la arquitectura Arte Modernista?

El Arte modernista fue un movimiento de muy corta duración que se hizo popular en Estados Unidos y Europa entre los años 1890 y 1914. El estilo se inspira en las formas de la naturaleza, como las formas orgánicas de las flores, las vides y las hojas. Aunque comenzó como un movimiento arquitectónico, pronto se encontraron elementos del estilo en el diseño de interiores, la joyería, la cristalería y las ilustraciones de carteles.

Los orígenes de la arquitectura Arte modernista

El Arte modernista fue un movimiento reaccionario de artistas y arquitectos que no estaban satisfechos con el historicismo académico de la arquitectura del siglo XIX. Los artistas de este movimiento incorporaron tecnologías y materiales modernos en la construcción de sus obras, como el vidrio, la cerámica y el hierro. El estilo se caracteriza por una sensación de movimiento y dinamismo debido a las formas asimétricas de las líneas orgánicas que fluyen.

Estos avances conducirían a la incorporación de elementos escultóricos como el hierro forjado y el vidrio en la arquitectura del propio edificio. Esto no se utilizó exclusivamente en el exterior de las casas Arte modernista, sino que se extendió también a la decoración interior y al mobiliario.

Art Nouveu
Arte modenista- Recuperado de Wikimedia

El Arte modernista se podía ver en todo, desde el papel pintado hasta la cubertería de plata, ya que querían que la experiencia fuera totalmente envolvente. El estilo se conoce con diferentes nombres según el país del que hablemos, y también puede denominarse Jugendstil, Stile Floreale, Sezionstill y muchos otros.

Los arquitectos de los edificios Arte modernista

El periodo Arte modernista fue relativamente breve. A lo largo de unas pocas décadas, el estilo alcanzó su punto álgido justo antes del inicio de la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, todavía existen muchos ejemplos exquisitos de casas y edificios Arte modernista. Antes de ver algunos ejemplos de arquitectura Art Nouveau, conozcamos un poco más a algunos de los arquitectos que crearon estos gloriosos monumentos.

Antoni Gaudí (1852 – 1926)

Fecha de nacimiento del artista25de junio de 1852. Lugares en los que vivió el artistaCataluña, España. Medio por el que es conocido elartista Arquitectura Movimientos asociados del artista Arte modernista, Modernismo catalán Antoni Gaudí nació el 25 de junio de 1852 y fue considerado el impulsor más destacado del movimiento modernista catalán. Su arquitectura fue muy singular y la mayoría de sus edificios se encuentran en la ciudad de Barcelona, incluido su edificio más conocido, la iglesia de la Sagrada Familia.

Cada detalle estaba bajo su escrutinio y control creativo, e incorporó a sus diseños arquitectónicos oficios como el hierro forjado, las vidrieras, la carpintería y la cerámica. También incorporó a su obra piezas de cerámica rotas, creando diseños de mosaicos a partir de materiales de desecho, como azulejos y vajillas rotas.

El movimiento modernista se hizo popular a finales del siglo XIX, y Gaudí se integró en él por su amor a las técnicas orientales y a los estilos neogóticos. Sin embargo, su obra fue más allá de los límites de las interpretaciones más convencionales del movimiento, y su trabajo se vio cada vez más influenciado por las formas orgánicas de la flora del mundo natural.

Casas famosas del Arte modernista Vista de la calle de las Carolinas de Barcelona, diseñada por Antoni Gaudí (1883-1889); Txllxt TxllxT, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons

Hasta la época moderna, la obra de Gaudí sigue siendo fuente de admiración e inspiración tanto para los arquitectos como para la población en general, y su obra maestra entre los edificios modernistas, la Sagrada Familia, ostenta el título de edificio más visitado de España. La UNESCO declaró siete de sus casas modernistas Patrimonio de la Humanidad entre los años 1984 y 2005.

Paul Hankar (1859 – 1901)

Fecha de nacimiento del artista: 11de diciembre de 1859.

Lugares donde vivió el artista: Bruselas, Bélgica.

Medio por el que es conocido Paul Hankar: Arquitectura de Movimientos asociados del artista del Arte modernista.

fue un arquitecto y diseñador de muebles nacido el 1 de diciembre de 1859 en Framaries, Bélgica. Hankar era hijo de un cantero y estudió en Bruselas en la Académie Royale des Beaux-Arts. Allí conoció a otro futuro arquitecto del movimiento Art Nouveau, Victor Horta. Al igual que Horta, Hankar también estudió las técnicas utilizadas en la forja del hierro, que más tarde se convertiría en un material básico en sus edificios. La mayor parte de su formación arquitectónica la adquirió trabajando para Hendrik Beyaert como escultor de monumentos funerarios desde 1879 hasta 1892.

En 1889, bajo la tutela de Beyeart, fue nombrado diseñador jefe para la construcción del Palacio de Chávarri en Bilbao, España. En 1893 abrió su propio negocio en Bruselas y poco después comenzó a construir su residencia, la Casa Hankar. Junto con el Hotel Tassel, que había sido diseñado y construido por Horta, la casa Hankar está considerada como uno de los primeros edificios Arte modernista.

Exterior de un famoso edificio Art Nouveau Detalle de uno de los edificios de Hanka
Exterior de un famoso edificio Art Nouveau Detalle de uno de los edificios de Hanka

También conceptualizó una «Ciudad de los Artistas», una comunidad cooperativa de estudios y viviendas para artistas en Westende, una ciudad costera en 1896. Sin embargo, el proyecto nunca pasó de la fase de diseño, pero sí desempeñó un papel de inspiración para la colonia de artistas de Darmstadt, además de dejar huella en los artistas de la Secesión de Viena. Su diseño de la sección del Congo para la Exposición Universal de Bruselas de 1897 permanecería allí y se convertiría en un elemento permanente del edificio.

Victor Horta (1861 – 1947)

Fecha de nacimiento del artista: 6 de enero de 1861

Lugares en el que vivió el artista Bruselas, Bélgica.

Medio por el que es conocido Victor Horta: Arquitectura Movimientos asociados del artista Arte modernista.

Victor Horta fue un diseñador y arquitecto belga nacido en Gante, Bélgica, el 6 de enero de 1861 y está considerado como uno de los padres de la arquitectura Arte modernista. Creó las primeras casas de Arte modernista, tres de las cuales han sido declaradas Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Los temas florales y vegetales curvados que utilizó en sus obras se convertirían en elementos básicos del estilo e influyeron en muchos otros arquitectos, como Hector Guimard.

El primer gran avance de Victor Horta se produjo cuando el profesor belga Emile Tassel le encargó el diseño de una vivienda en 1892. Terminada en 1893, la fachada era de piedra y estaba diseñada para encajar en armonía con los edificios circundantes.

Su técnica de incorporar hierro y cristal para dejar pasar la luz había sido perfeccionada durante su construcción de los invernaderos reales de Laeken. El interior presentaba líneas curvas que emulaban el movimiento y las formas de las vides y las hojas, un patrón que podía verse en la barandilla de hierro de la escalera, así como en los diseños de los azulejos y las alfombras.

La escalera interior de la Casa Tassel
La escalera interior de la Casa Tassel

Más adelante en su carrera arquitectónica, se alejaría del estilo Art Nouveau y se volvería más formal y simétrico en sus diseños, incorporando columnas y otros toques clásicos. Sus obras eran famosas por sus amplios diseños de planta abierta y el uso de claraboyas y marcos de acero para aportar más luz a los edificios. En 1932, el rey Alberto I de Bélgica le concedió el título de barón por su trabajo y sus logros en el campo de la arquitectura.

Hector Guimard (1867 – 1942)

Fecha de nacimiento de Hector Guimard: 10de marzo de 1867

Lugares en los que vivió el artista Lyon, Francia, y Nueva York, Estados Unidos

Hector Guimard es conocido por La arquitectura Movimientos asociados del artista Arte modernista.

Nació en Lyon, Francia, en 1867 y fue un destacado diseñador y arquitecto francés del movimiento Art Nouveau. Guimard alcanzó el éxito relativamente pronto con su trabajo de diseño del apartamento residencial el Castillo Beranger, el primero de los edificios Art Nouveau que se creó en París. Su estilo se caracteriza por el uso de marquesinas de hierro y cristal, con las características curvas ornamentales del estilo Arte modernista.

Diseñó y construyó 140 entradas para el metro de París entre 1890 y 1930, así como cincuenta edificios y otras piezas, como muebles decorativos. La popularidad del Art Nouveau aumentó rápidamente a partir de 1910, y en la década de 1960 sólo quedaban dos de sus entradas de metro, y la mayoría de sus otras obras fueron demolidas.

En la década de 1960 se reavivó el interés por la arquitectura de Guimard tras la adquisición de algunas de sus obras por el Museo de Arte Moderno. Tras estas adquisiciones, su obra fue reconsiderada por el mundo académico, que reexaminó sus diseños y consideró que eran significativamente importantes para la historia de la arquitectura debido a su estilo tan original.

Art Nouveau famosa Fachada principal de la Villa Berthe, también conocida como La Hublotière, en Le Vésinet, Yvelines, Francia/ Wikimedia Commons.

En un periodo de dos años, a finales de la década de 1890, Guimard diseñó y construyó tres casas Art Nouveau al mismo tiempo. Una de ellas fue la Maison Coilliot, construida para Louis Coilliot, un fabricante de cerámica. La fachada de la Maison Coilliot estaba decorada con hierro forjado retorcido, arcos intensamente curvados, roca volcánica esmaltada en verde y las típicas ventanas y portales orgánicos y asimétricos.

Charles Rennie Mackintosh (1868 – 1928)

Fecha de nacimiento de Rennie Mackintosh: 7 de junio de 1868.

Lugares donde vivió Rennie Mackintosh: Glasgow, Escocia

Medio por el que es conocido Rennie Mackintosh:Arquitectura Diseño Movimientos asociados del Arte modernista, Simbolismo.

Rennie Mackintosh fue un diseñador y arquitecto escocés nacido en Glasgow el 7 de junio de 1868. Su obra tenía muchas similitudes con el movimiento simbolista de Europa y, junto con su esposa, Margaret MacDonald, Mackintosh ejerció una gran influencia en las escuelas de diseño de Europa, como el secesionismo y el art nouveau.

Charles Rennie Mackintosh fue el cuarto de once hijos y asistió a la Reid’s Public School, así como a la escuela secundaria, la Allen Glen’s Institution. Mackintosh obtuvo en 1890 la beca para estudiantes itinerantes de Alexander Thomson, un destacado arquitecto escocés de su época. La beca se creó para profundizar en el estudio de la arquitectura de la antigüedad clásica, concretamente en los principios de la obra de Alexander Thompson.

Comenzó a trabajar en el Glasgow Herald Building, su primer gran proyecto arquitectónico, en 1899, tras incorporarse a la empresa de arquitectura Honeyman & Keppie.

Conoció a su esposa en la Glasgow School of Art a través del director de la escuela, y junto con su hermana Frances McDonald y su amigo Herbert MacNair, se convirtieron en figuras destacadas del arte de Glasgow, apodados «Los Cuatro».

Art Nouveau_Fachada del Museo de Scotland Street de Charles Rennie Mackintosh
Art Nouveau_Fachada del Museo de Scotland Street de Charles Rennie Mackintosh

Los ingenieros de la marina y de la formación japonesa no tardaron en trabajar en astilleros como el del río Clyde, en Glasgow, y gracias a una mayor interacción de las dos culturas, el estilo fue adoptado y apropiado por los arquitectos y artistas locales. Mackintosh se sintió atraído por la simplicidad de las formas del estilo modernista japonés y el uso de materiales naturales, en lugar de la apariencia elaborada y a veces desordenada de la arquitectura preexistente de la época.

Mijail Eisenstein (1867 – 1920)

Fecha de nacimiento de Mikhail Eisenstein:5de septiembre de 1867

Lugaresen los que vivió Mikhail Eisenstein: Ucraniay Alemania

Medio por el que es conocido el Mikhail Eisenstein: Arquitectura Movimientos asociados al arte modernista.

Mikhail Eisenstein fue un arquitecto e ingeniero civil nacido en Ucrania el 5 de septiembre de 1867. Trabajó en Riga, capital de la actual Letonia, que en aquella época aún formaba parte del Imperio ruso. Su trabajo como arquitecto coincidió con el crecimiento económico que experimentaba la región, lo que supuso una ampliación de la zona y el florecimiento de nuevos estilos arquitectónicos, como la arquitectura Art Nouveau.

Gracias al trabajo de arquitectos como Eisenstein, Konstantīns Pēkšēns y Eižens Laube, Riga sigue teniendo hasta hoy la mayor concentración del mundo de casas y edificios Art Nouveau. No se sabe mucho sobre los primeros tiempos de su desarrollo como arquitecto, pero se cree que en 1900 asistió a una exposición de arquitectura de gente como Hector Guimard mientras visitaba París, y se trajo muchos artículos sobre el estilo Art nouveau a Letonia desde Francia.

Los diseños de Eisenstein guardan muchas similitudes con los de los artistas de la Secesión vienesa, lo que lleva a muchos estudiosos a creer que también estuvo influenciado por el movimiento vienés, especialmente por la obra de arquitectos de Viena como Josef Hoffmann y Otto Wagner. En San Petersburgo también hay muchos ejemplos tempranos del estilo Art Nouveau que, según se dice, le influyeron.

Elizabetes 33 visto desde la calle Antonijas cruzando la calle Elizabetes, diseñada por Mikhail Eisenstein; Kalnroze (Wikimedia), CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Elizabetes 33 visto desde la calle Antonijas cruzando la calle Elizabetes, diseñada por Mikhail Eisenstein; Kalnroze (Wikimedia), CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons

Ejemplos de arquitectura Arte modernista

Como hemos aprendido, el estilo Art Nouveau fue uno de los más celebrados internacionalmente. Arquitectos de todo el mundo empezaron a crear edificios Art Nouveau durante un breve periodo y han dejado impresionantes ejemplos del estilo en todo el mundo. Muchos de ellos siguen existiendo hoy en día y han sido clasificados como Patrimonio de la Humanidad.

La Sagrada Familia, Barcelona

Ubicación: Barcelona, España.

Fecha de construcción. 1882-2010.

Arquitecto: Antoni Gaudí Función Basílica La iglesia de la Sagrada Familia de Barcelona se creó en el estilo modernista catalán y se considera generalmente un ejemplo de arquitectura Arte modernista a pesar de mostrar una influencia de varios estilos derivados. Diseñada por Gaudí, su construcción fue iniciada en 1882 por el arquitecto Francesco de Paula del Villar y aún sigue incompleta.

Gaudí colocó campanas tubulares en las agujas del templo para que repicaran cuando el viento soplara en la iglesia, pero hoy sólo queda una en funcionamiento. Algunos críticos se preguntan si puede considerarse Art Nouveau, ya que representa el estilo en su estado más crudo y formativo.

Vista de la Sagrada Familia desde la plaza de Gaudí, Barcelona, Cataluña, España, 2017.

Casa Battlò, Barcelona

Ubicación: Barcelona (España)

Fecha de construcción:1 877-1912

Arquitecto: Antoni Gaudí Función Casa

La Casa Battlò de Barcelona es otra de las obras maestras de la arquitectura de Antoni Gaudí y encarna el estilo del Art Noveau hasta tal punto que casi podría considerarse expresionista. Los enormes ventanales en forma de columna con sus adornos de latón debían de ser espléndidos cuando se construyó el edificio.

La Casa Battlò tiene tantos detalles que intentar abarcar todos los elementos interiores y exteriores requeriría un artículo en sí mismo para poder apreciarlos en su totalidad. Lo que más llama la atención cuando se ve el edificio Art Nouveau son los vivos colores de los mosaicos de las paredes exteriores, los balcones de hierro forjado y el tejado, que tiene el brillo del color de una escama de pescado.

Casa Battlò
Arte_modernista_Casa Battlò

Casa Amatller, Barcelona

Ubicación: Barcelona, España.

Fecha de construcción: 1900

Arquitecto: Josep Puig i Cadafalch, Función Casa.

La Casa Amatller de Barcelona presenta características de Arte modernista, elementos germánicos y neogotismo. Una de las características más notables de la fachada es la cornisa que adorna los bordes. El edificio fue diseñado originalmente por Josep Puig i Cadafalch y posteriormente fue comprado por Antoni Amatller, el chocolatero español. Amatller encargó entonces al arquitecto Antoni Robert que rediseñara el edificio de estilo Arte modernista.

Los motivos de la fachada están enrasados con las crestas que se desplazan desde la cornisa. El techo central contiene vidrieras que muestran elementos de estilo modernista. Junto con la Casa Ileo Morera y la Casa Batlló, la Casa Amatller forma parte del trío conocido como «Mansa de la Discordia».

Fachada de la Casa Amatller, diseñada por Josep Puig i Cadafalch
Fachada de la Casa Amatller, diseñada por Josep Puig i Cadafalch;ElenaStromberger, CC BY-SA 3.0 ES, vía Wikimedia Commons

Hotel Tassel, Bruselas

Ubicación: Bruselas, BélgicaFecha deconstrucción

1892-1894ArquitectoVictor HortaFunciónHotelEl Hotel Tassel

de Bruselas está considerado como el primer edificio de este tipo en el mundo. Diseñado por el arquitecto modernista Victor Horta, el edificio fue una declaración del nuevo estilo artístico, con todo el interior en estilo modernista.

Las paredes interiores se colorearon con tonos verdes, amarillos y ocres que reflejan las tonalidades del mundo natural del exterior. El uso del cristal y el hierro forjado permite iluminar los espacios interiores con luz natural, y todas las superficies están recubiertas de formas curvas, siendo la escalera central el elemento principal y llamativo con sus barandillas sinuosas.

La escalera interior de la Casa Tassel
La escalera interior de la Casa Tassel

Fachada del edificio Art NouveauHotel Tassel en Bruselas, diseñado por Victor Horta, 1893; EmDee, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons

Museo de Artes Aplicadas, Budapest

Ubicación Budapest: HungríaFecha deconstrucción

1893-1896ArquitectoÖdön LechnerFunciónMuseoEl Museo

de Artes Aplicadas de Budapest llama la atención de los transeúntes con su imponente presencia en el horizonte local. Diseñado por Ödönlechner, el edificio incorpora influencias orientales y elementos del arte local, como los azulejos húngaros amarillos y verdes utilizados en el diseño de la cúpula.

El exterior, majestuoso y a la vez decorativo, se complementa con un interior que también refleja la aplicación del Art Nouveau local. Una característica importante del interior es el atrio, con sus curvas de estilo Art Nouveau influenciadas por la naturaleza y sus barandillas de estilo oriental. Además del uso principal del edificio como museo, también es sede de eventos como la convención de la Semana del Diseño de Hungría.

Museo de artes aplicadas
Museo de artes aplicadas- Modernismo

Edificio de la Secesión, Viena

Ubicación: Viena, Austria

Fecha de construcción: 1898

Arquitecto: Joseph Maria Olbrich

Función: Centro de Convenciones.

Este museo fue diseñado por Joseph Maria Olbrich y exhibe una sensación de grandeza y es de buen gusto ornamental pero simplista y minimalista. Olbrich creó el edificio para la Secesión vienesa como una declaración de abandono de los rasgos estereotipados tradicionales asirios y bizantinos, y una remodelación de esos elementos en una nueva forma de Art Nouveau. La cúpula de la parte superior del edificio se conoce como la «Col de Oro» y está cubierta con pan de oro que complementa las paredes blancas de la fachada.

Edificio de la secesión. arte modernista

Preguntas frecuentes

¿De dónde procede la arquitectura Art Nouveau?

El Art Nouveau se extendió por gran parte de Europa y los Estados Unidos de América. Se desarrolló simultáneamente en muchos países diferentes, por lo que cada región tenía un carácter distinto y aspectos de diseño únicos. Muchos de los edificios también mostraban una mezcla de varios estilos arquitectónicos antiguos y en desarrollo. El término Art Nouveau procede de Francia y debe su nombre a la Maison de l’Art Nouveau, una galería en la que se exponían obras que contenían elementos inspirados en la naturaleza, pero muchos de los elementos arquitectónicos surgieron primero en lugares como Bruselas y Barcelona.

¿Cuáles son las características de la arquitectura Art Nouveau?

Los arquitectos del Art Nouveau se dejaron llevar por su pasión por la naturaleza y la religión para crear obras de arte que reflejaran las formas del mundo natural en su arquitectura. El estilo se caracteriza por el uso de motivos florales, como vides curvas y otros tipos de vegetación. Otro aspecto del Art Noveau es el uso de formas asimétricas para las puertas y ventanas.

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